Ein großartiger Ballettabend

b42_SquareDance_02_(c)TheGeorgeBalanchineTrust_FOTO_GertWeigelt

Michael Menge über die Premiere von „b.42“

Ein Premierenabend, von dem der Klang der Bewegungen in mir lange nachhallen wird.

Blau, Grau und klar beginnt die Vorstellung mit einem Ballett von George Balanchine, das durch die Reduktion auf den absoluten Ausdruck des Körpers die Musik für das Publikum sichtbar werden lässt. Die klassische Choreografie die ihre beeindruckende Tiefe durch Präzision erzeugt, wird durch witzige und lebendige Elemente die die naive Freude an der Bewegung ausdrücken überraschend nahbar. Man bekommt den Eindruck, dass dem Betrachter*in ein leichterer Zugang geschenkt wird, da er/sie sich in seiner/ihrer fehlerhaften Menschlichkeit wieder erkennt.

Natur, Glitzer und Weiblichkeit bestimmen die zweite Choreografie des Abends zu der Musik von Anna Thorvaldsdottir die einen zu Beginn erst mal mit einer endlosen Stille alleine lässt.
Die Basis der ersten Ballett-Aufführung bestand aus einer klaren Struktur zwischen den Geschlechtern, der Reduktion auf den Menschen und der Visualisierung von Musik. Die Ballettchoreografie von Remus Şucheană hat mit diesen Parametern nur wenig zu tun. Er inszeniert Mutternatur durch eine in den Mittelpunkt gestellte Weiblichkeit der Tänzerinnen neben denen die männlichen Künstler nur eine schüchterne Nebenrolle spielen. Die Musik von Anna Thorvaldsdottir beginnt sehr vorsichtig und sanft und steigert sich im Laufe der Inszenierung zu einem komplexen und dramatischen Klanggebäude was die Tänzer*innen für Ihre Bewegungen nutzen.

Das Spiel mit nicht definierten oder vertauschten Geschlechterrollen, der Kampf um Individualität und die bedrohliche Kraft der Masse in einem leeren Raum bestimmen die Dramatik des Stückes von Martin Schläpfer. Man bekommt den Eindruck, dass es nicht um den Ausdruck und die Bewegung geht, aus denen die Choreografie besteht, sondern dass Martin Schläpfer sein Ballett von der Reduktion auf die körperliche Kraft der Tänzer*innen befreit und dadurch einen Schritt weiter geht als die beiden anderen Inszenierungen. Damit bildet diese Choreografie zu der komplexen und vielfältigen Musik von Mendelssohn einen grandiosen Abschluss.

Die kuratierte Abfolge der drei Ballettchoreografien macht diesen Abend zu etwas Großartigem.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Michael Menge
Selbstständiger Grafikdesigner

Michael Menge ist Inhaber der Designagentur „Oppa Franz“ aus Duisburg. Im Dialog mit seinen Kunden schaut der Art Direktor und Designer genau hin: „Es geht uns um den ganzheitlichen Charakter eines Unternehmens. Denn interessante Persönlichkeiten sind nicht perfekt – und spannende Marken auch nicht.“ Als Opernneuling gestartet, hat er an dieser Kunstform großen Gefallen gefunden: „Duisburg bietet vielschichtiges, modernes Musiktheater und kann auf dieses Angebot sehr stolz sein.“

Sehr gelungener Abend!

b42_SymphonicPoem_06_FOTO_GertWeigelt

Christiane Hain über die Premiere von „b.42“

Ein dreiteiliger Ballettabend, der so unterschiedlich ist und doch die Lust und Kunst an der Umsetzung des Tanzes zur Musik vereint.

Den Auftakt macht George Balanchines ‚Square Dance‘ – Eine Mischung von bekannter barocker Musik von Vivaldi und Corelli, des akademischen, klassischen Balletts, einem amerikanischen Volkstanz und einer schlichten blauen Bühne. Die Duisburger Balletcompanie setzt hervorragend die technisch sehr anspruchsvolle Choreografie bei hohem Tempo um. Man muss sich bei der New York City Ballett Stiftung bewerben, und nur wenn man technisch gut genug ist, werden die Stücke mit einem Ex Tänzer des Balletts – in diesem Falle ist es Bart Cook – einstudiert. Dies allein spricht schon für sich. Neoklassisistische Ballette von Balanchine stehen für reines Ballett, nur auf das Notwendigste reduziert, d.h. kein Bühnenbild und einfache, aber wirkungsvolle Kostüme der Tänzer, bei denen man jedem Muskel bewundern kann. Vom amerikanischen Square Dance erkennt man gewisse Strukturen, die Solisten übernehmen teilweise die Funktion des Callers und so vermischen sich Soli und Tanz des Corps de Ballett sehr harmonisch. Im Gegensatz zum klassischen Ballett werden die einzelnen Bewegungen nicht ganz bis zum letzten Präzision ausgeführt oder es werden Figuren aus dem Volkstanz in klassische Bewegungen umgesetzt.

Im Gegensatz dazu steht die Uraufführungvon ‚Symphonic Poem‘ der Choreografie des Ballettdirektors Remus Sucheana (ein ehemaliger Tänzer der Companie) bei seiner Inszenierung einer isländischen zeitgenössischen Musik von Anna Thorvaldsdottir. Die Bühne ist effektvoll mit Licht ausgeleuchtet. Die Tänzer und Musiker teilen sich auf drei Ebenden auf. Drei Schlagzeuger schweben auf der Bühne, die anderen Musiker sind im Orcherstergraben und in der Mitte befinden sich die Tänzer. Diese tragen erdfarbende Kostüme wobei die Männer eher schlichte Kutten tragen und die Frauen – märchenhafte, aufwendige geschnittene Kleidung und somit scheinen eher Wesen als Menschen auf der Bühne zu tanzen. Der Beginn ist schon sehr ungewöhnlich, da die Tänzer minutenlang ohne Musik tanzen und beim Zuschauer sich die Spannung auf die Musik, den ersten Ton erhöht. Dieses Stück ist eher ausdruckstänzerisch geprägt. Der Tanz ist anfänglich leicht und beschwingt und steigert sich im Lauf des Stückes. Die Musik ist bei weitem nicht so harmonisch wie die barocke Musik, aber sehr außergewöhnlich und so gegensätzlich und gewaltig, wie die Natur in Island.

Den Schlusspunkt bildet Martin Schläpfers zeitgenössische Interpretation von Mendelsohns Reformationsymphonie –eine geistliche, tragende Musik, die nicht so eingängig ist, wie Corelli oder Vivaldi. Die Tänzer sind in schwarze Trikots gekleidet. Ein Bühnenbild gibt es nicht. Als Zuschauer kann man sich ganz auf die Tänzer und deren Bewegungen zur Musik konzentrieren. Die Bewegungen, die Schläpfer seine Tänzer ausüben lässt, sind teilweise sehr ungewöhnlich, überraschend für ein Ballett, passen aber hervorragend zur Musik und sind ein Markenzeichen des Choreographen. Es ist ungewöhnlich Männer in Frauen Posen zu sehen und auch Frauen, die in schwarzen Spitzenschuhen tanzen, diese aber nicht zart und leise nutzen, sondern hart in den Boden rammen. Frauen übernehmen scheinbar die Männerrolle.  Ein Stück voller Gegensätze.

Sehr gelungener Abend!

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Christiane Hain
Application Managerin

Christiane Hain arbeitet im IT-Bereich einer Bank in Düsseldorf. Sie ist in der Neckarstraße Duisburg aufgewachsen – in Sichtweise des Theaters, das ein fester Bestandteil im Familienleben war: Die Großmutter, die Eltern, die Schwester und sie selbst – alle waren regelmäßige Theaterbesucher. Ihre Tätigkeit als Opernscout führt dazu, dass sie wieder bewusster ins Theater geht und die Aufführungen als einen wichtigen Ausgleich zum Berufsleben betrachtet.

Eine Empfehlung – „b.42“!

b42_Reformationssymphonie_04_FOTO_GertWeigelt

Dagmar Ohlwein über die Premiere von „b.42“

Dieser Ballettabend hat bei mir, eine wenig erfahrene Ballett-Zuschauerin, einen tiefen Eindruck hinterlassen. Bis auf Martin Schläpfer waren mir die beiden weiteren Choreographen des Ballettabends unbekannt.

Im ersten Stück des Abends „Square Dance“ von George Balanchine wurde die Musik von Antonio Vivaldi und Arcangelo Corelli vertanzt. Die Künstler erschienen in transparenten, weissen/grauen Kostümen auf der Bühne. Der Tanz wirkte leicht und unangestrengt, mehr im klassischen Ballettstil angesiedelt als im modernen Ballett. Erst im weiteren Verlauf der tänzerischen Darbietungen wurde mir die Verbindung zum amerikanischen Square Dance deutlicher. Die rechteckige Anordnung der Tanzpaare, die im schnellen Wechsel stattfindenden Neuformationen rechtfertigten den Titel dieser Choreographie. Am Schluss der Aufführung erschienen die 4 Soloviolinisten auf der Bühne, wie es bei einem typischen amerikanischen Square Dance Abend üblich ist. Dieses Angleichen eines volkstümlichen Tanzes in die Ballettwelt ist großartig. Sowohl die TänzerInnen als auch die Musiker waren hervorragend in der gesamten Umsetzung dieses Stückes.

Das zweite Ballett „Symphonic Poem“ unter der Choreographie  von Remus Şucheană beeindruckte mich mit seiner Musik und den Kostümen der TänzerInnen besonders. Metacosmos von Anna Thorvaldsdottir war nicht „atonal“, wie ich es befürchtet hatte, sondern eine für mich sehr eindringliche, emotionale Musik. Die Komposition allein ruft Bilder einer wilden Natur und elementarer Gewalten wach. Sie wurde durch den Tanz und durch die starken Farben der Kostüme noch lebendiger. Die Verkörperung der Elemente, die aus vermeintlich tiefem Schlaf in wilde, ungebändigte Bewegungen aufbrechen, war phantastisch. Die optischen Effekte dieses Balletts im Zusammenhang mit dem über der Bühne freischwebenden Schlagzeugensemble bildeten für mich eine Einheit mit dem Können und den Darbietungen der TänzerInnen. Das tänzerische Können aller Protagonisten war im ersten Stück des Abends deutlich sichtbarer, für mich bei Symphonic Poem allerdings nicht weniger großartig.

Martin Schläpfers Reformationssymphonie war insgesamt für mich gesehen der Höhepunkt des Abends. Die in meinen Augen unübertroffene Kunst Herrn Schläpfers in einem Ballett so viel Emotionalität, so viel Tiefe und Eindringlichkeit zu schaffen, kam auch hier wieder zum Ausdruck. In der Schläpfer Kompanie wirkt jeder Tänzer, sich seiner Verantwortung zeitgenössische und ausdrucksstarke Tanzkunst zu zeigen, sehr bewusst. Kerstin Feig und Julie Thirault verstanden es, das in dieser Einstudierung herauszuarbeiten. Durch die tänzerische Darbietung wurde mir die Felix Mendelsohn Bartholdy Sinfonie näher gebracht. Wie viel in einer Ballettaufführung steckt und welch hohe Kunst es ist, tänzerisch Themen darzustellen, ist mir an diesem Ballettabend  in großartiger Weise klar geworden. Eine Empfehlung – „b.42“!

Dagmar_Ohlwein

Dagmar Ohlwein
Rentnerin

Die Physiotherapeutin ist gerade im Ruhestand angekommen und widmet nun einen großen Teil ihrer Zeit der Kultur. Das heißt für sie regelmäßig diverse Kulturangebote warzunehmen. Als Jugendliche hat sie „direkt um die Ecke“ vom Theater Duisburg gelebt und so schon immer viel Kontakt zur Kunst gehabt. Sie ist sehr gespannt auf ihr erstes Jahr als Duisburger Opern- und Ballettscout und freut sich auf die Saison 2019/20.

Einfach genial!

b42_SquareDance_01_(c)TheGeorgeBalanchineTrust_FOTO_GertWeigelt

Vinuar Amuka über die Premiere von „b.42“

Die Aufführung „b.42“ vereint drei einzelne Ballettstücke, die von unterschiedlichen Richtungen geprägt sind.

Zu Beginn wird das Ballettstück „Square Dance“ von George Balanchine aufgeführt.
Es ist klassisch geprägt, mit schlichter Kostümierung, die die Körper der Tänzer in den Vordergrund stellen soll.
Die Licht- und Schattenspiele betonen die Proportionen der darstellenden Tänzer, die anmutig und adrett eine fröhliche und idealisierte Welt dem Zuschauer präsentieren.
Die Leichtigkeit, der teils schwebende Anblick der Tänzer, setzt eine Präzision der Darbietung voraus und spricht für eine hohe tänzerische Fähigkeit des Ensembles.

Darauf folgend wird das Ballettstück „Symphonic Poem“ von Remus Şucheană aufgeführt.
Die ersten Minuten werden musikalisch nicht begleitet und sind von Stille geprägt.
Gespannt wartet man auf den Anfang der Musik und versucht gleichzeitig im Dunkeln der Bühne die Silhouetten der Tänzer zu erkennen.
Überraschend zeigen sich Bewegungen aus dem Bühnenbild heraus, die dann als Tänzer hervortreten.
Die Kostümierung der Tänzerinnen sind in Naturtönen gehalten, entfalten sich organisch und in sich verschlungen nach außen.
Die Kostümierung der Tänzer sind ebenfalls in Naturtönen gehalten, sind aber entlang des Körpers geschnitten.
Die Musik von Anna Thorvaldsdottir nimmt die Tänzer auf, umhüllt sie und trägt sie mit sich. Ähnlich einer Welle, die aufwirbelt und mitträgt, entwickelt sich im fließenden Übergang der Tanz der Darsteller hin zu einer aufbrausenden Brandung ins Finale.
Von Anfang an dominiert die Weiblichkeit durch die kraftvolle und maskuline Darstellung der Tänzerinnen.
Die Darbietung erzeugt Spannung, fesselt und macht neugierig auf die Entwicklung der Handlung.

Zuletzt wird das Ballettstück „Reformationssymphonie“ von Martin Schläpfer aufgeführt.
Zu Beginn führen männliche Tänzer im Duett eine weiblich anmutende Choreografie auf. Das Duett erweitert sich bis hin zum Ensemble.
Die Tänzer sind schwarz kostümiert, sogar die Spitzenschuhe der Tänzerinnen sind in schwarz gehalten. Das Bühnenbild ist ebenfalls in schwarz gehalten.
Die Rollen der Tänzer werden durch Lichteffekte betont. Hierbei dominiert zuerst die Weiblichkeit, die sich durch das Auftippen der Ballettschläppchen hörbar macht, militärisch ähnlich.
Die Tanzgruppe wird im Verlauf der Handlung zunehmend homogener im Ausdruck und geschlechtsunspezifischer in der Darstellung, fokussierend auf ein Tanzpaar, das im Tanz auseinander driftet.
Während die Frau nach dem Ablösen vom Mann in der Gruppe aufgeht, verzweifelt der Mann und geht von der Masse ausgestoßen zugrunde.
Es bleibt unbeantwortet, ob der Mann durch die Ablösung der Frau oder durch die bestimmende und abweisende Masse verzweifelt und zugrunde geht.
Gerade diese letzte Szene wirkt verstörend sowie aufregend auf den Zuschauer und hinterlässt die Erwartung an einer Lösung. Dieses Ballettstück ist einfach genial und exzellent!

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Vinuar Amuka
Sozialpädagogische Familienhelferin

Die 37 jährige Irakerin lebt seit ihrer Jugend in Deutschland und arbeitet als sozialpädagogische Familienhelferin. Sie hegt eine starke Begeisterung für Oper und Ballett. Um Inszenierungen besser bewerten und nachvollziehen zu können nimmt sie Gesangs- und Klavierunterricht. Als Scout erhofft sie sich die Oper noch intensiver zu erleben und wahrzunehmen. Sie findet, dass man in der Oper „vielem aus dem realen Leben begegnet, aber ganz anders damit umgeht“.

Es darf gestaunt, geschmunzelt und applaudiert werden

b42_Reformationssymphonie_03_FOTO_GertWeigelt
Ballett der Staatsoper Hannover „Daphnis / Lost Love“ ein Ballettabend von Jörg Mannes

Jürgen Ingenhaag über die Premiere von „b.42“

„b.42“ hat das, was einen kurzweiligen Ballettabend ausmacht: mal klassisch-schön oder experimentell, mal bunt oder schwarz-weiß. Es darf gestaunt, zwischendurch applaudiert und sogar geschmunzelt werden.

Großartige Tanzkunst und vollkommene Körper gibt es bei „Square Dance“ von George Balanchine zu bestaunen. Das Wechselspiel von Ensemble- und Solo-Tanz zu den schnellen und langsamen Sätzen der Barockmusik ist stimmig.

Beim „Symphonic Poem“ von Remus Şucheană wird Neuland zwischen Feuer und Eis betreten. Nach langer Stille setzt die experimentelle Musik der isländischen Komponistin Anna Thorvaldsdottir ein. Die Tänzer in ihren futuristischen und farbigen Kostümen sind eine Augenweide, allen voran Marlúcia do Amaral. Auch das Bühnenbild beeindruckt, und ganz toll finde ich die Idee der drei Podeste mit den „Schießbuden“ der drei Schlagwerker um Kersten Stahlbaum & Co.

Nach der zweiten Pause folgt Martin Schläpfers Choreographie „Reformationssymphonie“, die man vielleicht bald zu seinen Klassikern zählen darf. Es ist faszinierend, dass sich die Tänzer sowohl leicht als auch kraftvoll auf Zehenspitzen bewegen können. Diese Inszenierung lebt auch durch den Schwarz-Weiß-Kontrast – „aus dem Licht ins Dunkel“ oder umgekehrt?

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Jürgen Ingenhaag
Fachkraft für Arbeitssicherheit

Als Vorstandsmitglied der Musikalischen Gesellschaft Rheinberg organisiert Jürgen Ingenhaag klassische Konzerte in der Stadt am Niederrhein. Als Opernscout versteht er sich als „Botschafter für das Theater Duisburg“. Daneben spielt er Gitarre in der Rheinberger Band ,,Die Zauberlehrlinge“. Seine Leidenschaft für Rock- und Popmusik hat ihn nicht daran gehindert, ein großer Freund der Oper zu werden.

Größte Vielfalt für Auge und Ohr

b42_Reformationssymphonie_07_FOTO_GertWeigelt

Isabel Fedrizzi über die Premiere von „b.42“

Der neue Ballettabend „b.42“ ist ein beeindruckendes ästhetisches Erlebnis. Dreiteilig angelegt bietet der Abend größte Vielfalt für Auge und Ohr, spannende musikalische und tänzerische Variation. Den Anfang macht George Balanchines Ballett Square Dance: 1957 in New York uraufgeführt, im Ablauf und Kostümen aber bis heute unverändert, ist es in seiner schlichten, tänzerisch reinen und reduzierten Art ein wunderbarer Auftakt. Die freie, ganz undekorierte und nur sanft-fahl beleuchtete Bühne ist der Schauplatz für sechs Tänzerpaare, die in weißen hautengen Anzügen/Trikots und Spitzenschuhen eine vierteilige Tanz-„Revue“ zeigen. Nach „klassischem Ballett“ sieht es aus und einen Moment lang unerwartet und überraschend wirkt dazu die barocke Musik von Vivaldi und Corelli. Balanchines Devise „ein Ballett mag eine Handlung haben, aber das visuelle Spiel, nicht die Handlung ist wesentlich“ wird sichtbar: Die vier Teile des Balletts, bestehend aus Ensembles in verschiedenen Variationen, Pas de Deux sowie auch Soli, entführen in eine Welt, in der es weniger um das Erzählen einer Geschichte geht, sondern um das Wahrnehmen von Bildern und die Freude an der geordneten künstlerisch gestalteten Bewegung.

Musikalisch neu und fremd kommt das zweite Ballett daher: das Werk Metacosmos der isländischen Komponistin Anna Thorvaldsdottir, ein Klang- und Geräuschwirrwarr mit übereinandergeschichteten Tönen, Klangfetzen Melodiefragmenten dient Remus Șucheană für sein ästhetisch aufregendes Ballett Symphonic Poem, das hier uraufgeführt wurde. Aufwendige Kostüme mit weiten Trompetenärmeln, unkonventionellen Hüten fesseln das Auge und laden zum wilden Assoziieren ein… Eine ideenreiche Bewegungswelt eröffnet Remus Șucheană über die ersten 10 Minuten des Werkes hinweg, in denen sich von einem einzigen leisen tiefen Ton ausgehend eine groß angelegte vielfach dissonante Steigerung aufbaut. Nach dem wüsten Höhepunkt, auf dem sich die Welle gebrochen hat (in einem nach erlösenden großen Unisono des Orchesters), ebbt die Welle langsam ab und kommt in kleinen Bewegungen zur Ruhe.

Martin Schläpfers puristische Reformationssymphonie vollendet die Trias des Abends. Zum dritten Mal wählt er ein symphonisches Werk für eine Choreographie und sagt: Eine Sinfonie als Ballett funktioniert nur, wenn alle Tänzerinnen und Tänzer realisieren, wie wesentlich ihre Energie, ihr Geist ist, sich alle wie die einzelnen Stimmen im Orchester zu einem Ganzen fügen…“. Und sein Anspruch, „sich dem orchestralen Klang entgegenzustellen – ihm zu begegnen durch Präsenz, Magie, Fokus und nicht allein durch körperliche Kraft“, ist vollends erfüllt, die Compagnie setzt das präzise und überzeugend um. In schwarze, enge Anzüge gekleidet verschwindet der Unterschied zwischen Männern und Frauen, die Tänzerschar bildet eine Einheit, formiert sich ständig neu, stetig auf der Suche nach den tieferen Fragen des Menschseins… Ein einzelnes Solo kurz vor Ende, intensiv und eindringlich wie ein Gebet getanzt, lässt auch die sakrale Komponente der Reformationssymphonie augenfällig werden. Die schlicht blau beleuchtete Bühne, die Tänzer in schwarzem Kostüm und eine bis ins Detail ausgefeilte und nach dem Gehalt der  Musik horchende Choreographie: das ist tief beeindruckend und gibt reichlich zum Nachdenken und „Heraus- bzw. Hineinlesen“ mit auf den Weg… Eine große Bereicherung.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Isabel Fedrizzi
Musikjournalistin

Die studierte Musik- und Kommunikationswissenschaftlerin arbeitet „auf kleiner Flamme“ als Musikjournalistin, u. a. für den Düsseldorfer Verlag „Staccato“. Im Hauptberuf ist sie Mutter zweier schulpflichtiger Töchter, in ihrer Freizeit begeistert sie sich für das Kulturangebot der Deutschen Oper am Rhein. Nach den Premieren schätzt sie die Gespräche mit den anderen Scouts, die den eigenen Blickwinkel erweitern.

Der ganze Abend ein Gesamtkunstwerk

b42_SymphonicPoem_01_FOTO_GertWeigelt

Mila Langbehn über die Premiere von „b.42“

Was für eine faszinierende Komposition diese drei Werke miteinander ergeben, ein zutiefst berührendes Gesamtkunstwerk!

Im Licht der blauen Stunde beginnt der Abend mit einer sinnlich-locker-lässig-eleganten Variante des klassischen Balletts. Der Tanz als Verbildlichung von Klang, zeigt sich hier ganz im Dienste der lyrischen Musik: in vielen Sprüngen, scheinbar von Schwerkraft befreit und in langen Armen, die weiche Wellen in den Raum zeichnen. Die Kostüme sind wie eine zweite Haut, hell pastellfarben, den Körper umschmeichelnd. Das weiche Licht auf den geschmeidig Tanzenden wird durch das strahlende Türkisblau der Kulisse gesteigert.

Danach wird es dunkel, aber farbenreicher: wesenhaft, fast animalisch bevölkern die Tanzenden die Bühne. Das kunstvoll gemalte Bühnenbild erinnert mich an Astwerk im Wind. In diesem stark die Phantasie anregenden Stück erscheinen die Tanzenden in ihren aufwendigen Kostümen teils wie Fische oder Vögel, teils wie rollende Findlinge oder Wellen. Die abstrakte Musik nehme ich kaum wahr, wie eine gelungene Filmmusik verschmilzt sie einfach mit dem Geschehen. Und das, obwohl drei Musiker äußerst präsent über dem Geschehen schweben.

Im letzten Stück befinden wir uns wiederum in einer sehr handfesten Welt der Körperkraft, menschlicher Leidenschaft und hartem Schwarz-Weiß. Sehr spannungsreich lösen sich die weißen Körper aus dem tiefen Schatten der Kulisse und verschwinden wieder darin. Die Grenzen zum Tanztheater werden überschritten, große Gesten knallen ins grelle Streiflicht. Hier erleben wir Muskelmacht und Kraft! Dieses Stück ist so wuchtig wie das erste zart ist, so laut wie das zweite leise ist.

Vieles gäbe es noch zu sagen über diesen sinnesbetörenden Abend mit Standing Ovations. Ein Detail nur zum Schluss: In der Dichte sinnlicher Eleganz und dramatischer Düsternis war dennoch Platz für Humor, für drollig-trollhaft Marschierende oder eine freche Primaballerina, die X-Beine macht. Perfekt!

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Mila Langbehn
Landart-Künstlerin

Die selbstständige Landart-Künstlerin hat als Amateur-Tänzerin mit klassischer Ausbildung selbst öfter auf der Bühne gestanden. Heute beschäftigt sie sich mit Landschaftskunst. Kunstaustellungen. Beim Theatererlebnis fasziniert sie insbesondere das Zusammenspiel aus den verschiedenen Komponenten Musik, Kostüm, Bühnenbild und Gesang. Besuche im Theater sind für sie ein angenehmer Gegensatz zum alltäglichen Leben und aus den Vorstellungen zieht sie oft auch Inspiration und Vergleicht diese mit ihrer eigenen Arbeit.

Eine wundervolle Komposition

b42_Reformationssymphonie_05_FOTO_GertWeigelt

Miriam Kasten über die Premiere von „b.42“

Als eingefleischter Ballett-Fan habe ich mich sehr auf „b.42“ gefreut. Choreographien von Balanchine haben mich schon als Kind begeistert und auch dieses Mal wurde ich nicht enttäuscht. Balanchine ist Ballett in Perfektion. Den Tänzern wird alles abverlangt. Es ist eine perfekte Mischung aus Leichtigkeit und Eleganz gepaart mit großen Gesten und Stärke. Durchweg sind die Tänzer hoch Konzentriert und strahlen dennoch sehr die Freude aus die sie bei diesem Stück haben. Das Bühnenbild ist lediglich eine blaue Wand und sonst nur die nackte Bühne. Es wird sich auf das wesentliche konzentriert was ich für perfekt halte. Die Kostüme sind ein transparenter Hauch von nichts damit die Körper perfekt zur Geltung kommen. Der Applaus und die Bravo rufe am Ende dieses Teils sprechen für sich.

Der zweite Teil des Abends von Remus Sucheana startet düster und still. Lediglich Umrisse von einigen wenigen Tänzern sind auf der Bühne zu erkennen. Es bleibt sehr lange still, ein mutiger Zug von Sucheana, eine schwere Aufgabe für das Publikum. Nur ganz langsam werden einige Lichtstreifen auf der Bühne hell und dazu startet eine Klangwelt der isländischen Komponistin Anna Thorvaldsdottir. Ebenso langsam steigert sich der Tanz von vorsichtigen Bewegungen bis hin zu einem Vulkanausbruch. Island ist allgegenwärtig, ebenso im Bühnenbild bei dem man an Schnee und schwarzes Vulkangestein denken muss. Eine wundervolle Komposition in der Musk und Tanz Eins werden.

Den Abschluss macht Martin Schläpfers Reformationssymphonie. Von Beginn an eine sehr kraftvolle Choreographie. Die Tänzer allesamt in den gleichen schwarzen Trikots. Die Herren tanzen filigran, die Damen poltern schweren Schrittes in schwarzen Spitzenschuhen auf die Bühne. Die Geschlechterrolle ist getauscht und verschwimmt schließlich. Lediglich die unkoordinierte Darstellung des verzweifelten Luthers passt mir nicht ins Bild und lenkt mich vom restlichen Tanz ab. Auf der Bühne sucht man vergeblich ein Bühnenbild. Es gibt keins. Auch hier steht der Tanz absolut im Vordergrund.

Über den kompletten Abend bringen alle Tänzer eine tief beeindruckende Leistung. Scheinbar Minuten lang stehen sie unbewegt auf den Spitzen. Das Gesamtbild ist wunderschön und durch die hervorragende Leistung der Philharmoniker wird es zu einem echten Erlebnis. Von mir eine ganz klare Empfehlung.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Myriam Kasten
Projektmanagerin Tourismus bei Duisburg Kontor GmbH

Die gelernte Fotografin hat die Liebe zu ihrer Heimatstadt zum Beruf gemacht: Als Projektmanagerin im Bereich Tourismus gibt sie ihre eigene Begeisterung für die Stadt an Besuchergruppen weiter. Für sie ist das Theater Duisburg einer der großen Anziehungspunkte der Stadt. Als großer Ballettfan hat sie Martin Schläpfers „Schwanensee“ in der Spielzeit 2018/19 positiv überrascht und die „Götterdämmerung“ in der Mercatorhalle vollkommen begeistert.

Alles nur eine Frage der Kommunikation…

I_Puritani_PRESSE_17_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Benedikt Stahl über die Premiere von „I puritani“

Zwischen den Jahren. Irgendwo in Nordholland. Nach einem ausgiebigen Strandspaziergang bei dem der Blick bis zum Horizont und vielleicht auch ein wenig in das Dahinter die Stimmung prägt. Ein leckeres Abendessen mit einem guten Glas Wein.

„Hast Du eigentlich Deinen Operntext zu I Puritani schon geschrieben?“

„Nein, ehrlich gesagt noch nicht. Mit dem Weihnachtsfest und den vielen schönen und fröhlichen Begegnungen mit der Familie und Freunden gab es einfach noch keine Zeit dafür. Aber wo Du mich gerade fragst, was würdest Du denn so im Nachhinein sagen?“

„Na, ich würde zum Beispiel etwas über die sehr gute Musik schreiben. Die sehr schönen Arien und Duette. Adela Zaharia als Elvira, sie ist wunderbar! Bogdan Taloş als Sir Giorgio, der vom ersten Moment an so präsent ist. Günes Gürle als Lord Gualtiero Valton mit unglaublicher Tiefe. Der Chor und das Orchester, richtig stark!“

„Ja, das war wirklich eine beeindruckende Inszenierung und die Musik von Bellini zieht einen im Laufe des Abends immer mehr in ihren Bann, verzaubert geradezu!“

„Die Bühne fand ich auch toll! Die einfache Szene, das Licht, die Raumideen.“

„Nicht unbedingt ganz mein Höhepunkt und über die Plastikgewehre sehe ich mal lieber großzügig hinweg, das war überflüssiges Zeug. Das Schlichte aber und sowohl die düsteren Farben wie auch die Kostüme fand ich ganz stimmig.“

„Du hast Recht, die Musik war wirklich wunderschön. Die Handlung jedoch ziemlich verdreht, vor allem die Texte.“

„Allerdings, ziemlich verworrenes Zeug. Ähnlich abstrus wie die Wagnerschen Wortfantastereien. Als wir nach der Pause ganz vorne am Orchestergraben saßen, konnte man die Übertitelung ohnehin kaum noch lesen. Das war im Grunde auch vollkommen unnötig, die Dramatik der Klänge und die Bilder auf der Bühne sprechen für sich. Wenn man dann noch die Gelegenheit hat den Dirigenten Antonio Fogliano zu beobachten, mit welcher Hingabe und Inbrunst er das Stück leitet, dann ist jedes Wort überflüssig. Und was den Inhalt betrifft: Du würdest wahrscheinlich sagen, alles nur eine Frage der Kommunikation. Hätten die alle mal vernünftig miteinander geredet, hätte es mit Sicherheit kein solches Drama gegeben.“

„Das stimmt. Nur, was ist schon eine Oper ohne ein richtiges Drama?“

„In der Tat und ein wunderbarer Abend war es auch!“

In diesem Sinne, und passend zum Jahreswechsel, ein ganz großes Dankeschön an alle Beteiligten, insbesondere an Tanja Brill und ihre Mitarbeiter, die uns immer so nett betreuen, die Sänger, die Musiker, das Personal, die Opernleitung, allen, die dazu beitragen, dass so etwas möglich ist!

Von Herzen auch ein Dank an Judith, mit der ich schon so viele schöne Opernabende erleben durfte und deren Begleitung jede Aufführung einzigartig macht!

Benedikt_Stahl

Benedikt Stahl
Architekt und Professor an der Alanus Hochschule

Als selbständiger Architekt und Partner im Düsseldorfer Atelier Fritschi & Stahl hat Benedikt Stahl eine große Nähe zur Kunst: Was macht Stadtraum, was macht die Choreographie, die Dramatik der Räume aus? Zur Oper ist es da nicht weit. Wenn in einer Inszenierung alle komponenten gut zusammenkommen dann entsteht „ein großes Kunstwerk“ und in der Deutschen Oper am Rhein ist „immer was für einen dabei“. Besonders gefällt ihm die Vielseitigkeit von Oper und Ballett.

Ein beeindruckender Abend

I_Puritani_PRESSE_16_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Karolina Wais über die Premiere von „I puritani“

Der Anfang der Oper wird durch ein stilles Schauspiel vollzogen, so dass ich mich komplett in das Bühnenbild verlieren kann. Das Bühnenbild ist fantastisch. Die Wände sind erstmal holzvertäfelt und von einem Klinker umrahmt. In der Mitte ist eine runde Öffnung. Es ist unverkennbar, dass hier gleichzeitig die Kirche und das Parlament repräsentiert wird.

Im Laufe des Stücks wird ersichtlich wie sehr das Bühnenbild durch Lichtspiele wandelbar ist. Die Lichteffekte unterstreichen gekonnt die Stimmung, die gerade auf der Bühne herrscht. Je nachdem ob es Trauer, Verzweiflung oder Freude ist.

Im zweiten Akt wird die Holvertäfelung von den Wänden entfernt, die Atmosphäre, die dadurch entsteht, unterstreicht Elviras Wahnsinn perfekt.

Am besten gefällt mir aber der Augenblick, in dem das Bühnenbild zum Teil hochgefahren wird und ein Wald dahinter zum Vorschein kommt. Wirklich atemberaubend, besonders wenn man nicht darauf vorbereitet ist.

Die Kostüme der Puritaner sind in schlichtem Schwarz gehalten, das Schwarz wird aber durch ebenfalls schwarze Ledereinsätze gebrochen. Die Schlichtheit der Kostüme der Puritaner unterstreicht die pompösen, vorwiegend in lila gehaltenen Kostümen der Royalisten. Die Kostüme fügen sich perfekt in das Bühnenbild ein.

Ich freue mich Adela Zaharia, die Elvira spielt erlebt haben zu dürfen. Ihre Stimme, ihre Körpersprache zeugt von Perfektion. So sehr, dass ich ihren Wahnsinn spüren und nachvollziehen kann, den Wahnsinn von ihrem Geliebten von jetzt auf gleich verlassen worden zu sein.

Das Stück ist für meinen Begriff schauspielerisch und gesangstechnisch tadellos besetzt, von jedem einzelnen Sänger bis hin zu dem Chor.

Das Orchester umrahmt die Vorstellung zusätzlich akustisch hervorragend und macht es zu einem beeindruckenden Opernabend, der zu Recht mit Standing Ovations gehuldigt wird.

Karolina_Wais

Karolina Wais
Steuerfachangestellte bei Selas Wärmetechnik GmbH in Ratingen

Karolina Wais ist großer Schauspielfan und wagt sich nun mit Offenheit und großem Interesse an die Kunstform der Oper heran. Sie lässt sich gerne überraschen und geht deshalb als „unbeschriebenes Blatt“ in Inszenierungen und informiert sich erst im Nachhinein über die tatsächliche Handlung der Stücke.
Jetzt freut sie sich auf ihre erste Spielzeit als Scout und darauf die Kunstformen Oper und Ballett näher kennenzulernen.

Ein genussvoller Abend

I_Puritani_PRESSE_12_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Stefanie Hüber über die Premiere von „I puritani“

Die Premiere von „I puritani“ einer Oper in 3 Akten von Vincenco Bellini hat mir einen sehr genussvollen Abend beschert.  Die Inszenierung von Rolando Villazón war meines Erachtens nach sehr ansprechend und auch das nicht dem Original entsprechende Ende war äußerst gelungen.

Obwohl die Handlung der Oper mit 2 Sätzen erzählt ist und keine spannenden Wendungen bietet ( und das bei einer Länge von 3 Stunden!) habe ich mich keinen Moment gelangweilt.
Die einzelnen Szenen gingen fliessend ineinander über und es waren häufig sehr viele Darsteller auf der Bühne, so dass für den Zuschauer wenig Verschnaufpause blieb.
Jedoch empfand ich diese Tatsache nicht als überfrachtend, sondern dies führte zu einer Dynamik, die die Aufführung aufgrund des schon erwähnten Handlungsmangels sonst leicht als langatmig hätte erscheinen lassen.
Dadurch gab es jedoch viel zu entdecken und zu bestaunen und auch die in die Handlung eingebauten Umbauten geschahen spielerisch und fliessend.

Auch das Bühnenbild von Dieter Richter hat mir gefallen: Minimalistisch und doch nicht ZU cool,es unterstrich den puritanischen Gedanken ebenso wie die schlichten Kostüme, gestaltet von Susanne Hubrich.

Gesanglich überzeugte  die komplette Besetzung, doch vor allem die grandiose Besetzung der Elvira durch Adela Zaharia liess mich noch Tage später schwärmen, WAS FÜR EINE STIMME!!!

Sie besitzt auch viel schauspielerisches Talent und verkörperte dadurch die Rolle der, erst sehr mädchenhaften und später dem Wahnsinn verfallenden Elvira, großartig.

Stefanie_Hüber

Stefanie Hüber
Physiotherapeutin

Die Physiotherapeutin arbeitet überwiegend mit psychisch kranken Menschen und nutzt Musik als Mittel der Therapie. Sie sang im Kammerchor und lernte als Kind Klavier und Blockflöte zu spielen.
Die Oper wurde ihr als Kind von ihren Eltern „vermiest“ aber sie fand einen neuen Zugang zu ihr durch ihre Tochter, die Musik studierte. Inzwischen ist die Oper ebenso wie Rockkonzerte ein spannendes und regelmäßiges Highlight in ihrem Leben.

Belcanto als spannender Psycho-Krimi

I_Puritani_PRESSE_19_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Helma Kremer über die Premiere von „I puritani“

Von Bellini hatte ich bereits die Norma gesehen. I Puritani kannte ich nicht und hatte entsprechend keine Vergleichsmöglichkeiten und auch keine Erwartungen. Lediglich, dass es eine der berühmtesten Belcanto-Opern ist, war mir bekannt. Und eigentlich ist Belcanto nicht unbedingt mein Lieblingsgenre.

Kurz vor der Aufführung höre ich mir die spannende Einführung von Chefdramaturgin Anna Melcher an. Sie beleuchtet aufschlussreiche Aspekte der Entstehungsgeschichte, insbesondere zum Libretto. Außerdem gibt sie, sehr subtil, wichtige Hinweise auf die psychologischen Besonderheiten der Inszenierung, auf die ich daher im Folgenden ein umso größeres Augenmerk legen werde.

Die Inszenierung, die ich dann in den folgenden dreieinhalb Stunden erleben darf, ist die beste Opern-Aufführung, die ich, seit meinem ersten Opern-Besuch, Humperdincks „Hänsel und Gretel“ vor über vierzig Jahren, in der Deutschen Oper am Rhein gesehen habe. Die Sänger und Sängerinnen sind überragend und überzeugen in gesanglicher Hinsicht ebenso wie mit schauspielerischen Fähigkeiten. Adela Zahira als Elvira übertrifft alle anderen. Auch Bühnenbild und Kostüme gefallen mir sehr gut (Gott sei Dank kein unnötiger Transfer ins Zeitgenössische).

Rolando Villazón und sein Team haben es geschafft, das als, zumindest in Teilen, missglückt und konstruiert geltende Libretto bzw. die brüchige Handlung als spannenden Psycho-Krimi zu inszenieren, der weder auf mich noch auf meine kompetente Begleitung (meine Schwester, die Musikerin in der Familie) an irgend einer Stelle bemüht oder peinlich wirkt. Die anderen Zuschauer und Zuschauerinnen scheinen ebenfalls enthusiastisch:  Derart begeistert habe ich das Düsseldorfer Opern-Premieren-Publikum noch nicht erlebt.

Die Handlung wird vorrangig aus dem Blickwinkel von Elvira geschildert. Ebendiese Fokussierung auf ihre Perspektive verleiht dieser typischen Frauenfigur des 17. Jahrhunderts, die – im Gegensatz zu den männlichen Figuren – zur Passivität verdammt ist, und nur abwarten kann, welche Entscheidungen die handelnden Männer um sie herum treffen, eine Präsenz, die beeindruckt.

Auch die Darstellung der Hauptfiguren als vielschichtige und facettenreiche Charaktere überzeugt. Auf Schwarz-Weiß-Malerei wird durchweg verzichtet. Elviras Wahnsinn kündigt sich bereits vor Arturos vermeintlichem Treuebruch an. Eine mögliche  – und nur angedeutete – Ursache ist  sexueller Missbrauch seit der Kindeit/Jugend. Diese Zeichnung der Figur scheint mir plausibler als die gängige Darstellung, die in Arturos Verrat den alleinigen Anlass für Elviras geistige Umnachtung sieht.

Die Aufführung wird vom Publikum gefeiert! Verdienter, langanhaltender Applaus und nicht enden wollende „Bravo“-Rufe für Sängerinnen und Sänger, musikalische Leitung und Regie.

Irritiert bin ich in den folgenden Wochen von den Kritiker-Rezensionen, die die Inszenierung durchweg negativ(er) beurteilen und sich in ihrem Lob auf die musikalischen Leistungen beschränken. (Allerdings habe ich bisher nur Online-Rezensionen von männlichen Kritikern lesen können.)

Diese Inszenierung von Rolando Villazón in Düsseldorf darf man sich als Opern-Fan nicht entgehen lassen. Und wer noch kein Opern-Fan ist, wird es vielleicht nach dem Besuch dieser Aufführung.

Helma_Kremer

Helma Kremer
Leiterin „Market Development“ bei der Düsseldorf Tourismus GmbH

Helma Kremer arbeitete nach ihrem Studium an der Heinrich-Heine-Universität zunächst an der Universitäts- und Landesbibliothek Düsseldorf. Nach einem. Voluntariat im Bereich „Marketing/Presse“ beim Düsseldorfer Schauspielhaus übernahm sie 2006 den Bereich „Kulturmarketing“bei der Düsseldorf Marketing und Tourismus GmbH. Durch ihre Großeltern kam sie bereits als Kind mit der Oper in Kontakt, ihre erste Aufführung im Opernhaus war „Hänsel und Gretel“. Dennoch interessiert sie sich eigentlich eher fürs Ballett, als für die Oper. Sie freut sich in ihrer ersten Spielzeit als Opern- und Ballettscout auf die regelmäßigen Theaterbesuche

Ein intensives und bewegendes Erlebnis

I_Puritani_PRESSE_07_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Sandra Christmann über die Premiere von „I puritani“

Bis auf  kurze Kostüm-Highlightmomente (Brautkleid Elviras und Kostüm der Königswitwe) sind eben diese das mit puritanischste an der Oper  – sonst eher nichts.

Doch natürlich der inhaltliche Rahmen, denn das gesamte Verlangen, die glühende Liebe, der Wahnsinn der Elvira sowie das Drama, die Tragik und die Spannung sind eingebettet in den historischen Kontext zur Zeiten der Puritaner.

Rolando Villazón hat die perfekte klassische Oper inszeniert und zu meiner großen Freude sie zu keinem Zeitpunkt mit irgendwelchen „modernen“ Stilfehlern versehen, sondern geradezu diszipliniert mit voller Qualität im Sinne einer großen Oper mit Belcanto, hervorragendem Orchester, großer schauspielerischer Qualität und allen Facetten des Liebesdramas kreiert. Großartiges Bühnenbild von Dieter Richter

Und die perfekte Besetzung:
Adela Zaharia – atemberaubend – das habe ich schon einmal geschrieben: sie hat eine so starke, ergreifende Bühnenpräsenz, die leider alle weiteren Protagonisten als Beiwerk erscheinen lässt.
Sie ist so unfassbar wandelbar als verirrte, verwirrte, liebeskranke, geistesauffällige Frau, fast ein Mädchen, zumindest als der grapschende Onkel Giorgio sich ihr so anbiedernd nähert.

Übrigens auch eine großartige Leistung, tolle Stimme von Bogdan Taloş!!!

Elvira fängt einen ein. Ich habe mit gelitten, hatte Sehnsucht, wünschte mir nichts mehr als Arturo zurück und war zutiefst bewegt, wenn sie in ihrem irren, verzweifelnden Wahnsinn, liebeskrank in wachen Momenten erneut in ihr Leid zurücksank.

So muss sich unerfüllte Liebe anfühlen.

Ich hatte eine Freundin als Begleitung mitgenommen, die vorher noch nie in der Oper gewesen ist und sie hatte definitiv keine Vorstellung was zu erwarten war.
Sie bedankt sich noch heute bei mir: „das war das Intensivste, was ich seit Langem erlebt habe, ich bin da in eine Welt geführt worden, die mich musikalisch und von der Inszenierung her in etwas Bewegendes hat eintauchen lassen, dass es meine Vorstellungskraft übertroffen hat“

(So in etwa waren ihre Worte und ich kann das voll und ganz nachvollziehen)

Sandra_Christmann

Sandra Christmann
Head of Strategic Alliances

Sandra Christmann liebt Düsseldorf und die Kunst. Sie engagiert sich bei ArtFair Internantional GmbH. Strategische Allianzen sind ihr Kernthema. Für die Kunst pflegt sie zahlreiche Kontakte, um mit Partnern aus Wirtschaft, Industrie, Handel und Medien innovative Formate und Kooperationskonzepte zu entwickeln. Neben ihrer Arbeit engagiert sie sich für diverse Hilfsprojekte.
Sie liebt das Ballett und besuchte „just for fun“ manchmal die Oper, nun will sie „auch nach ihrer Zeit als Opernscout der Oper treu bleiben“.

Musikgenuss und wirre Geschichte

I_Puritani_PRESSE_01_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Sassa von Roehl über die Premiere von „I puritani“

Bellini kam es in seiner 1835 uraufgeführten Belcanto Oper „I Puritani“ wohl eher darauf an, seine Musikideen umzusetzen, als eine nachvollziehbare und spannende Geschichte zu erzählen. Genau dies spürt man auch bei der gegenwärtigen Inszenierung in der Deutschen Oper am Rhein durch Rolando Villazón.
Als Zuhörerin schwelge ich im musikalischen Wohlgefühl herrlicher Stimmen und harmonischer Melodien. Solisten und Chor begeistern mich ohne Ausnahme.

Die Handlung allerdings macht mich eher nervös. Was hat mir die Auspeitschung und der Pranger zu sagen? Was hat die Frau verbrochen, die eine Tafel mit einem Kreuz um den Hals bekommt? Die Hauptfigur Elvira kommt mir von Anfang an in einer dominanten Männerwelt alleingelassen und hilflos vor. Sie wirkt kindlich naiv mit ihrem Kopfkissen. Die Rolle des Onkels erschließt sich mir nicht. Elvira weicht seinen Annährungsversuchen immer wieder aus, fordert ihn jedoch auf, sie Tochter zu nennen. Er eröffnet ihr schließlich, dass sie den Mann ihrer Träume heiraten darf, obwohl er aus dem politisch feindlichen Lager kommt. Elvira jedoch zeigt keine übermäßige Freude, wie eigentlich zu erwarten wäre. Ihre Gestik passt deshalb für mich nicht zu dieser frohen Nachricht. Sie ringt mit den Händen und hält sich die Finger an die Schläfe, wie in einem melodramatisch übertriebenen Helene Courths-Mahler Film. Dabei wird sie doch erst später verrückt, als ihr Bräutigam sich kurz vor der Hochzeit entschließt, seiner Pflicht als treuer Royalist nachzukommen und die Königin zu retten. Dann allerdings wiederholen sich genau diese Gesten im Übermaß wieder. Nun bekommt auch Elvira eine Tafel mit Kreuz um den Hals und ich folgere, dass nun auch sie aus der Gemeinschaft der Puritaner ausgestoßen wird, wie die Dame im ersten Akt. Man nimmt ihr die Tafel ab, aber Elvira zieht es vor, dass auch jeder erkennen kann, dass sie von Sinnen ist und hängt sich die Tafel wieder um. In diesem ganzen Durcheinander kommt Arturo mit der Königin zurück und ich freue mich auf das Happy End, aber es kommt nicht und ehe ich begreife, was da eigentlich passiert, ist die Oper zu Ende!

Mein Fazit lautet deshalb, ein absolut lohnender akustischer Genuss, bei dem man die Handlung weder zu ernst nehmen darf noch sie durchdringen muss. Man sollte sich zurücklehnen, dann und wann die Augen schließen und der herrlichen Musik lauschen.

Sassa_von_Roehl

Dr. Sassa von Roehl
Social Campaining / Dozentin an der Heinrich-Heine-Universität

Dr. Sassa von Roehl engagiert sich für Zivilcourage und berät Gemeinnützige Projekte im Bereich PR. Als kulturinteressierte besucht sie oft das Theater Duisburg. Sie ist großer Martin Schläpfer Fan, im Bereich Oper allerdings eher ein „interessierter Neuling“. Gespannt startet sie nun in ihre erste Spielzeit als Scout für Oper und Ballett in Düsseldorf.

Frauen-Power par excellence

I_Puritani_PRESSE_05_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Markus Wendel über die Premiere von „I puritani“

Es gibt Abende, die einem ganz deutlich im Gedächtnis bleiben. Die vergangene Premiere zu Vincenzo Bellinis Oper „I puritani“ im Düsseldorfer Opernhaus konnte bei mir mit gefühlter Leichtigkeit einen dieser besonderen Plätze einnehmen.
Dabei ist die Musik Bellinis eigentlich gar nicht so mein Fall. Zu verspielt, zu schnell und zu wenig musikalisch ausgedrücktes Drama sind Attribute, die mit sogleich auf der Zunge liegen. In Kombination mit einer herausragenden Besetzung und der wirklich ambitionierten Produktion konnte ich die Oper, deren Musik mir vor dem Besuch bereits bekannt war, jedoch ganz neu erleben.

Rolando Villazón stellt hier eine bemerkenswert frische, lebendige und zugleich tiefgründige Inszenierung auf die Beine, wie ich es in dieser Intensität zuletzt bei „Roméo et Juliette“ erlebt habe. Viel mehr möchte ich an dieser Stelle gar nicht schreiben, um dem geneigten Leser die vielen überraschenden Momente nicht vorweg zu nehmen. Aber eins sei gesagt: Bis hin zum Ende wird dem Zuschauer eine Regie-Arbeit dargeboten, auf die das Düsseldorfer Haus wahrhaft stolz sein darf. Bereits beim Besuch der Opernwerkstatt (dort war die komplette Generalprobe zu sehen) konnte sich jeder ein Bild von der schier unerschöpflichen Energie machen, die in Herrn Villazon steckt, und wie er diese auf das Produktionsteam überträgt.

Die wahrhaften Heldinnen dieses Abends sind für mich Adela Zaharia und Sarah Ferede. In ihren Rollen als Elvira und Enrichetta singen und spielen sie die gesamte Männerschaft sowie den Chor in Grund und Boden. Und dies sage ich gleichauf mit der Feststellung, dass der Premierenabend mit der wahrscheinlich besten und stimmigsten Gesamt-Besetzung einherging, die ich bislang in Düsseldorf erleben durfte. Mein Applaus gilt somit allen Beteiligten, wobei die beiden Damen unangefochten die ersten Plätze einnehmen.

Ich konnte als Opernscout schon für viele Veranstaltungen meine Empfehlung aussprechen, „I puritani“ möchte ich Ihnen jedoch ganz besonders ans Herz legen!

Markus_Wendel

Markus Wendel
Sachbearbeiter für Brand- und Katastrophenschutz

Markus Wendel ist schon seit langem Opernfan. Seine erste Begegnung mit Wagners „Götterdämmerung“ hatte er im Jahr 2003 im Düsseldorfer Opernhaus und war sehr begeistert.
Durch die vergangene Spielzeit als Opernscout haben sich sein „Horizont und Empfinden erweitert“. Überrascht war er davon, dass die Ballettinszenierungen 2018/19 ihn sogar mehr faszinierten als die Operninszenierungen.

Musikalischer Genuss, unpassende Action auf der Bühne

I_Puritani_PRESSE_03_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Hubert Kolb über die Premiere von “ I puritani“

Rolando Villazón als Opernregisseur steht für perfekte Unterhaltung, das war meine Erinnerung an Villazóns erste Regiearbeit an der Düsseldorfer Oper, Don Pasquale.

Da muss „I puritani“ eine echte Herausforderung gewesen sein: I puritani steht für schöne Belcanto-Arien (oder ein Duett), aber fast ohne Handlung auf der Bühne. Also erfand der Regisseur zusätzliche Aktionen auf der Bühne. Dieser war ein Kirchen/Parlaments/Burginnenraum (von Dieter Richter) mit unzähligen Türen, damit der Chor schnell einströmen konnte, oder Einzelpersonen hier auftauchen und da verschwinden konnten. Dazu eine Auspeitschung, ein fahrbarer Pranger, ein fahrbares Gestell für Maschinengewehre und mehr. Vieles passte nicht zum Text, manchmal war es dennoch kurzweilig, dann aber wieder ablenkend.

Ansonsten zeigten sich das Ensemble und die Gäste von ihrer besten Seite. Der Chor war großartig. Adela Zaharia als Elvira ab dem zweiten Akt ebenfalls großartig, mit tollem Körperausdruck und passender Personenregie, der Belcanto-Tenor Ioan Hotea fast fehlerfrei. Der Bass von Bogdan Taloş als Sir Giorgio eine Ohrenweide. Der Zusammenklang mit den sehr gut kontrollierten Duisburger Philharmonikern unter Antonino Fogliani gelang ganz außergewöhnlich gut.

Fazit: Rolando Villazon steht für Entertainment auf hohem Niveau, und das war hier einschließlich der musikalischen Leistung wirklich so. Da war man bereit, die Übertreibungen an Bühnenhandlung zu akzeptieren, und auch den ungewöhnlichen Schluss, der das Hollywood-Happyend verdarb. Dieser Schluss erinnerte an eine ähnlich unerwartete Schlussszene von Roméo et Juliette, damals ausgedacht von Regisseur Philipp Westerbarkei.

Kolb_Hubert_Foto_Andreas_Endermann

Dr. Hubert Kolb
Professor für Immunologie/Diabetologie im Ruhestand

Als Biologe und Immunologe hat Hubert Kolb am Deutschen Diabetes-Zentrum Düsseldorf zu Mechanismen und Therapien des Kinder- und des Erwachsenendiabetes geforscht und gearbeitet. Vorsorge und Umgang mit der Krankheit beschäftigen ihn auch noch im Ruhestand. Den Weg zur Oper fand Hubert Kolb im Studium in München – eine „Zauberflöte“ in Spitzenbesetzung begeisterte ihn nachhaltig. Mittlerweile findet er genügend Zeit, die Oper regelmäßig zu besuchen und Vieles neu kennen zu lernen. Auch das Ballett am Rhein, das ihm unter Martin Schläpfer unerwartet gut gefällt.

Belcanto – ein wahrhaftig schöner Gesang

I_Puritani_PRESSE_18_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Michael Langenberger über die Premiere von „I puritani“

Wie das Stichwort Belcanto schon sagt: Auf den Gesang kommt es an.

Dass Adela Zaharia das Genre beherrscht wie kaum jemand anderer, hat sie uns schon im vergangen Jahr als Maria Stuarda perfekt demonstriert. So umgarnt sie uns auch dieses Jahr in I puritani als Elvira mit ihren Belcanto-Künsten. Mir gefallen dabei ganz besonders die Passagen, in denen ihre Stimmdynamik – das Laut und Leise – sich z.B. in den Gesang des Chorgesangs einbettet und/oder hervorhebt. Dazu dann auch noch ihre hingebungsvolle Schauspielkunst. Sie allein ist schon ein Kunstwerk.

Gleiches gilt für den Chor der Düsseldorfer Oper. Ein Chor, mit schauspielerischen Qualitäten. Beides auf höchstem Niveau. Wirklich ein Genuss.

Doch auch die männlichen Hauptrollen sind wunderbar besetzt. Bogdan Taloş (Sir Giorgio), Ioan Hotea (Lord Arturo Talbot) und Jorge Espino (Sir Ricardo Forth) liefern, jeder für sich genommen, bestes Belcanto gepaart mit schauspielerischer Hingebung ab.

Liegt es daran, dass man für die musikalische Leitung Antonino Fogliani als Vincenzo Bellinis Landsmann und Spezialist für das Genre das Dirigat übergeben hat? Es kommt offenbar alles musikalisch Gute zusammen. Was hier was oder wen beflügelt, ich vermag es nicht zu sagen. Es geht zu Herzen, was man mit den Ohren hört.

Aufwendig ist das Bühnenbild zwar, doch ist es mir insgesamt zu düster. Sicherlich, zu Puritanern passt ein düsteres, eher schwarz/weisses Bühnenbild. Doch wenn das Auge durch den Auftritt von ein paar wenigen Soldaten in farbigen Uniformen schon Entspannung findet, scheint mir das düstere übertrieben. Die Qualitäten der Beleuchter schafften es oft auch nicht das Bühnenbild spannender zu machen. Außerdem fand ich die zahlreichen Aktivitäten und die Anzahl an Personen auf der Bühne – der gesamte Chor, plus einer enormen Menge an speilenden Statisten, plus die Solisten – unübersichtlich und der Belcanto-Idee abträglich.

Doch insgesamt, eben für den Musikliebhaber, ein tolles Hörerlebnis, was – da bin ich mit den Worten von Rolando Villazón bei der anschließenden Premierenfeier einig – wirklich Weltklasse ist.

Michael_Langenberger

Michael Langenberger
Wirtschaftsmediator und Coach

Michael Langenberger arbeitet freiberuflich als Wirtschafsmediator und Führungskräftecoach in Haan. Musik und Tanz spielen eine große Rolle in seinem Leben: Er spielt Klavier, sang im Chor und tanzt Standard, Latein, Salsa und Modern Contemporary. Er liebt die Vielfalt des kreativen Ausdrucks – sei es als Geschichtenerzähler, Musiker, Tänzer oder Opernscout – und macht sich diese auch im beruflichen Kontext zu Nutze. Bei der Bewertungen von Inszenierung versteht er sich nicht als „visuellen“ sondern als „akustischen Menschen“.

Es ist ein Abschied aber kein dramatischer

b41_Forgotten_Land_02_FOTO_Gert_Weigelt

Karolina Wais über „b.41“

FORGOTTEN LAND von Jiří Kylián
Das Bühnenbild begeistert mich. Es ist das Meer, je nach Beleuchtung wütend und kraftvoll oder still und delikat. Anfangs ist es ganz still als die Tänzer zu tanzen beginnen, so dass der Tanz förmlich zu hören ist. Die Kostüme sind aus fließenden Stoffen gefertigt. Ich bin hingerissen von der Stimmigkeit der ganzen Aufführung. Das Bühnenbild, die Kostüme, die Musik und der Tanz stehen einzeln für das Meer, für dessen Wucht und Ruhe. Zusammen ergeben sie eine perfekte Darstellung des Meeres und dessen Kraft.
Ich erinnere mich wie gerne ich das Meer in all seinen Facetten betrachte.

LAMENTATION / STEPS IN THE STREET von Marta Graham
Kantig. Das kommt mir in den Sinn. Eine Wehklage aber darf und muss kantig sein. Die Tänzerin trägt ein schlauchförmiges Kleid, das jede ihrer Bewegungen unterstreicht. Sie wiegt sich hin und her, ist wie in ihrem Kleid gefangen, versucht sich zu befreien. Sie lamentiert tanzend und das so gut, dass ich das Gefühl habe sie zeigt ihren inneren Kampf. Die Musik unterstreicht diese Zerrissenheit perfekt.

Wieder Stille, die Tänzerinnen bewegen sich langsam, mit gekreuzten Armen rückwärts auf der Bühne bis eine übrig bleibt. Ich höre den Tanz ohne Musik so gerne. Gemeinsam tanzen sie einen imaginären Kampf, der von der Musik perfekt unterstrichen wird. Ich bin ein Fan von Martha Graham.

CELLOKONZERT von Martin Schläpfer
Alle Kostüme sind delikat im gleichen Ton gehalten, doch niemand trägt das gleiche Kostüm. Das Bühnenbild finde ich unruhig, was in mir zu Anfang auch etwas Unruhe auslöst. Ich weiß nicht wo ich hinblicken und wohin ich meine Konzentration lenken soll.
Im Verlauf des Stückes findet die komplette Kompanie zeitweilig Platz auf der Bühne und es finden verschiedene Tänze in verschiedenen Gruppierungen statt. Am Ende verlassen Einzelne die Bühne, manche zögernd, manche entschlossen, ein Rest bleibt.
Ich erinnere mich an ein Interview mit Martin Schläpfer in dem er sagt, es ginge um Abschied aber keinen dramatischen. So finde ich für mich einen Bezug zu dem Stück. Eine Kompanie erschafft erst gemeinsam getragen von einzelnen Tänzern ein gesamtes Stück. Über die Jahre hinweg sind viele verschiedene Stücke in verschiedenen Konstellationen der Mitglieder entstanden und aufgeführt worden. Und jetzt trennen sich ihre Wege. Es ist ein Abschied aber kein dramatischer.

Insgesamt ist es ein hinreißender Ballettabend.

Karolina_Wais

Karolina Wais
Steuerfachangestellte bei Selas Wärmetechnik GmbH in Ratingen

Karolina Wais ist großer Schauspielfan und wagt sich nun mit Offenheit und großem Interesse an die Kunstform der Oper heran. Sie lässt sich gerne überraschen und geht deshalb als „unbeschriebenes Blatt“ in Inszenierungen und informiert sich erst im Nachhinein über die tatsächliche Handlung der Stücke.
Jetzt freut sie sich auf ihre erste Spielzeit als Scout und darauf die Kunstformen Oper und Ballett näher kennenzulernen.

Großes Spektakel zum Schluss

Forgitten Land ch: Jiri Kylian
Forgotten Land ch: Jiri Kylian

Sandra Christmann über die Premiere von „b.41“

Ich bin verliebt. In einen Choreographen:

Jiří Kylián. – Um genauer zu sein in seine Choreographie.

Nicht eine einzige Sekunde habe ich geblinzelt. Sensationelle Kostüme, ich werde John F. Macfarlane auflauern müssen, so wunderschön sind die Kleider der Tänzerinnen. Atemberaubend.
Dass sich diese Choreographie mit den Gewalten mit Substanziellem beschäftigt, wird uns von der ersten Bewegung an klar. Gewaltig und hingebungsvoll, perfekt. Ich meine nicht nur die Perfektion der tänzerischen Leistung, sondern die Perfektion der Überraschung dieser Inszenierung.
Neue Bewegungen, neues Zusammenspiel, raffinierte Passagen, es verlangt große Konzentration das große Ganze nicht aus den Augen zu verlieren, wenn die einzelnen Protagonisten brillieren. Bewunderung trifft da mein Gefühl.
Was für ein Glück zuzuschauen.
Mutig das Emsemble ins Pas de deux mit Benjamin Brittens „Sinfonia da Requiem op. 20“ zu schicken, aber es geht auf.
Die 6 Paare tanzen leidenschaftlich und schneidend präzise um ihr Leben und das mit einer Eleganz und scheinbaren Leichtigkeit, dass es einen zutiefst ergreift, mitnimmt und berührt. Grandios!!!!!
Überhaupt ist der gesamte Ballettabend von unfassbar großer Profession und Ergreifung geprägt.

Auf eine sicherlich andere Art bei „Lamentation“ von Martha Graham. Das war ein kurzes Moment mit Camille Andriot, sehr  künstlerisch, athletisch, leise in den Bewegungen, sehr fein und dann auch schon wieder vorbei. Aber es musste gesehen werden. Interessant und Anmutig.

Female Power auch in „Steps in the Street”. Schöne Choreopraphie und eine schöne Lichtinstallation. Wun Sze Chan ist natürlich nicht das erste Mal eine herausragende Größe des Ensembles, sie  ist mit jeder Bewegung  so unfassbar überzeugend und stark. Ich bin ein Fan.
Insgesamt: eine energische kraftvolle, fast militärische Choreographie.
Eine gute Entscheidung die Kostüme, schlicht und schwarz zu kreieren.

Das große Spektakel zum Schluss, Martin Schläpfers letzte Kreation „Cellokonzert“ ist eine Choreographie für das gesamte Ensemble.
Wieder wunderbare Kostüme, diese von Hélène Vergnes. Ein wenig 20er Jahre Anmutung, lasziv, betont, schöne dezente Farbspiele.
Die Choreographie ist spektakulär an Varianz:  Soli, Pas de deux, dann wieder das gesamte Ensemble, ebenfalls ergreifend, aber anders als „Forgotten Land“, dass an diesem Abend nun mal nicht mehr zu erreichen ist.
Dennoch genauso überraschend. Lange, wunderschöne Choreografien, die sich meines Erachtens perfekt mit dem Cello paaren.

Herausragend: Marcos Menha.

Ich hatte das schon zum Saisonende geschrieben und knüpfe da wieder an:
Das Ballettensemble der deutschen Oper am Rhein hat Weltklasse.

Sandra_Christmann

Sandra Christmann
Head of Strategic Alliances

Sandra Christmann liebt Düsseldorf und die Kunst. Sie engagiert sich bei ArtFair Internantional GmbH. Strategische Allianzen sind ihr Kernthema. Für die Kunst pflegt sie zahlreiche Kontakte, um mit Partnern aus Wirtschaft, Industrie, Handel und Medien innovative Formate und Kooperationskonzepte zu entwickeln. Neben ihrer Arbeit engagiert sie sich für diverse Hilfsprojekte.
Sie liebt das Ballett und besuchte „just for fun“ manchmal die Oper, nun will sie „auch nach ihrer Zeit als Opernscout der Oper treu bleiben“.

Abschiedsstimmung

Cellokonzertch:Martin Schläpfer
Cellokonzert ch:Martin Schläpfer

Helma Kremer über die Premiere von „b.41“

Am 16. Oktober 2009 wurde mit b.01 die erste Ballettpremiere von Martin Schläpfer in der Deutschen Oper am Rhein gezeigt, mit einer Uraufführung von Martin Schläpfer („3. Sinfonie von Lutoslawski“). Es war meine erste Schläpfer-Vorstellung und wirkte, nach 13 Jahren Handlungsballett in Düsseldorf unter Ballett-Direktor Youri Vamos, auf mich wie ein befreiendes Frühlingsgewitter. Ich war sofort Schläpfer-Fan. Beinahe genau zehn Jahre nach dem Besuch von b.01 sehe ich – vierzig Vorstellungen später – b.41. Der Abend ist bereits geprägt von Abschiedsstimmung. Die Themenauswahl – Tod, Trauer und Krieg – unterstreichen dieses Gefühl und ebenso die Musikauswahl: „Sinfonia da Requiem“ und „Cellokonzert“, eine der letzten Kompositionen von Schostakowitsch. Nicht zuletzt ist es die letzte Uraufführung von Martin Schläpfer in Düsseldorf.

„Forgotten Land“ (Jirí Kylián)
Die herrliche Musik, die „Sinfonia da Requiem“ von Benjamin Britten, bietet alle Facetten eines großen Musik-Dramas. Auch das Bühnenbild beeindruckt mich sehr: Wenngleich das Meer sein zentrales Element ist, weckt es in mir auch Assoziationen zum Hades. Die langen Kleider der Tänzerinnen in den fließenden Stoffen schmiegen sich um die Bewegungen und lassen sie manchmal eher erahnen als erkennen, was dem Tanz hier etwas Geheimnisvolles und Erhabenes gibt. Ganz besonders gut gefällt mir Alexandra Liashenko.

„Lamentation“ und „Steps in the Street“ (Martha Graham)
Eine Solo-Tänzerin sitzt auf einer Bank. Ihre Bewegung zum Klavierstück op 3 Nr. 2 von Zoltán Kodály werden eingeschränkt durch den lilafarbenen Stoff-Schlauch, in welchem sie steckt. So wie das Gefühl von Trauer und Schmerz den Blick auf die Welt trübt und es unmöglich macht, sich frei durch diese zu bewegen. Dieses Stück ist in seiner Deutlichkeit so beklemmend wie Edvard Munchs Bild „Der Schrei“. Und die Protagonisten ähneln sich sogar.
Nach der Engführung in „Lamentation“ erscheinen sowohl die Klänge der Musik als auch die Bewegungen der Tänzerinnen in „Steps in the Street“ belebend, aber nur im ersten Moment. Immer stärker entwickelt sich das Gefühl eines großen Unbehagens, denn immer militärischer wird die Musik, immer uniformer und mechanischer der Tanz. Die Tänzerinnen in schwarz erinnern mich in ihrer Erscheinung und ihren Bewegungen an die schwebenden Wudang-Kämpfer(-innen) aus dem Film „Tiger and Dragon“ meines Lieblingsregisseurs Ang Lee. Ich kannte Martha Graham noch nicht und bin begeistert. Seit der Premiere habe ich viel über sie im Internet gelesen. Mir gefällt ihre Charakterisierung von Tanz: „Dance is the hidden language of the soul.“

„Cellokonzert“ (Uraufführung von Martin Schläpfer)
In diesem Stück holt Martin Schläpfer die gesamte Compagnie auf die Bühne und erweist so ihr und den letzten 10 Jahren in Düsseldorf seine Referenz. Und auch der Spitzentanz kommt nun zum ersten Mal zum Einsatz und führt den Abend auf seine Weise zum Höhepunkt. Aber sei es, dass die Musik mich strapaziert, sei es, dass das Stück mich intellektuell überfordert (hätte ich mir mal die Einführung angehört) … eine Woche nach dem Besuch der Premiere ist mir gerade diese letzte Inszenierung kaum im Gedächtnis geblieben. Vielleicht liegt es auch daran, dass die Figuren des Corps de Ballet vom Parkett aus nicht erkennbar sind – ich frage mich, ob er Eindruck vom ersten Rang aus ein anderer ist? Ich erinnere leider nur einzelne Tänzer und Tänzerinnen, keinen roten Faden. Auch in diesem Stück beeindrucken Alexandra Liashenko und wie immer die wundervolle Marlúcia do Amaral, die gerade den Faust-Preis für die Odette in Schläpfers „Schwanensee“ gewonnen hat, mit ihrer unvergleichlichen Bühnenpräsenz.

Helma_Kremer

Helma Kremer
Leiterin „Market Development“ bei der Düsseldorf Tourismus GmbH

Helma Kremer arbeitete nach ihrem Studium an der Heinrich-Heine-Universität zunächst an der Universitäts- und Landesbibliothek Düsseldorf. Nach einem. Voluntariat im Bereich „Marketing/Presse“ beim Düsseldorfer Schauspielhaus übernahm sie 2006 den Bereich „Kulturmarketing“bei der Düsseldorf Marketing und Tourismus GmbH. Durch ihre Großeltern kam sie bereits als Kind mit der Oper in Kontakt, ihre erste Aufführung im Opernhaus war „Hänsel und Gretel“. Dennoch interessiert sie sich eigentlich eher fürs Ballett, als für die Oper. Sie freut sich in ihrer ersten Spielzeit als Opern- und Ballettscout auf die regelmäßigen Theaterbesuche

Kurzweilig, spannend und kontrastreich

06_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Annette Hausmann über die Premiere von „La Bohème“

„La Bohème“ von Giacomo Puccini ist bis heute eine der meist aufgeführten Opern, deren Geschichte vom Leben, der Liebe und dem Leiden verarmter Bohemiens erzählt. Fernab der bürgerlichen Normen leben sie ihre Kunst und lassen sich trotz widriger Umstände das Träumen nicht nehmen.

Musikalisch gesehen verzauberte mich dieser Premierenabend auf wundersame Weise. Unter der Leitung von Antonino Fogliani gelang es den Duisburger Philharmonikern auf höchstem Niveau Puccinis wunderbare Musik, die voller Emotionen und harmonisch warmer Klänge „steckt“, ausdrucksstark und präzise darzubieten.

Ebenso bemerkenswert waren die schauspielerischen und gesanglichen Leistungen der Solisten sowie des Opernchors. Im Einklang mit dem Orchester sangen sie ihre jeweilige Rolle authentisch, einfühlsam und zugleich gefühlsstark. Die Wärme und Harmonie, die die einzelnen Stimmen in ihrer Gesamtheit im Duett und Quartett ausstrahlten, gingen regelrecht „unter die Haut“.

Allerdings gelang es mir im Verlauf der Opernpremiere nicht, mich ausschließlich auf eine „musikalische Traumreise“ zu begeben, da die Inszenierung des jungen Regisseurs Philipp Westerbarkei und das Bühnenbild von Tatjana Ivschina bewusst einen absoluten Gegenpol dazu setzten.

Westerbarkei ließ die gesamte Liebes- und Lebensgeschichtete der Bohemiens als eine Art Erinnerungsfilm Rudolphos an seine geliebte Mimì in einem halbrunden, blassgrün gekachelten Raum spielen, der eher einem Sanatorium oder einer Psychiatrie glich. Bis zum Schluss verströmte diese Inszenierung in Verbindung mit dem Bühnenbild eine gewisse sterile Kälte, schaffte Irritationen und forderte den Zuschauer nicht nur kognitiv, sondern auch zu eigenen Interpretationen heraus.

Die Oper „La Bohème“, mit der Westerbarkei durch seine „klinisch-reine“ Inszenierung „verstaubte“ Opernstrukturen aufbricht, kann ich nur empfehlen. Sie ist kurzweilig, spannend und kontrastreich. Sollte das Moderne zwischenzeitlich zu sehr irritieren – einfach Augen schließen und der herrlichen Musik lauschen.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Annette Hausmann
Grundschullehrerin

Annette Hausmann unterrichtet an einer Montessori-Grundschule in Duisburg-Bissingheim, die sie selbst mit aufgebaut hat. Ihre große Verbundenheit zum Theater hat sie ermuntert, am Projekt „erlebte Oper … erlebter Tanz“ teilzunehmen. Der Austausch zwischen den Opernscouts schaffe „eine andere Wahrnehmung von Oper und Ballett“. In ihrer ersten Spielzeit begeistert sie ganz besonders  Martin Schläpfers Ballett „Schwanensee“: „Mit seiner Kraft und Ausdrucksstärke war es eine der genialsten Vorstellungen meines Lebens“.

 

Konzentration und Spannung

b41_Lamentation_04_FOTO_GertWeigelt

Markus Wendel über die Premiere von „b.41“

Als sich zum ersten Ballettstück „Forgotton Land“ der Vorhang hebt, scheint eine blechern-bedrohliche Welle meterhohen Ausmaßes geradezu in das Publikum hineinzubrechen. Von der Beleuchtung unterstützt entsteht eine wunderbar dunkle und packende Atmosphäre, als Grundlage für den Tanz von sechs Paaren zu einem Requiem von Benjamin Britten. Ein schöner Auftakt für einen Abend, an dem ein breites Spektrum der Ballett-Kunst gezeigt wird. Kostüme, Stimmung, Musik, alles scheint wie aus einem Guss. Lediglich die Bewegungen erscheinen mir streckenweise ein Wenig zu schnell für die ruhige und getragene Musik.

Mit den beiden anfolgenden Stücken wird die Konzentration weiter forciert, die Aufmerksamkeit der Zuschauer komplett auf die Bühne geholt. Den Stücken von Martha Graham kann sich anscheinend niemand im Publikum entziehen, denn es ist zum Zerreißen still im Zuschauersaal. Die starken Bilder fordern und holen mich deutlich aus meiner Komfortzone. Bei dem Solo-Tanz „Lamentation“ ist die entstehende Beklemmung enorm, und die Message für mich unglaublich aktuell. Es scheint mir wie eine Übersetzung der Gefühle von Flucht, Vertreibung und Ausgegrenztheit.

Auch „Steps in the street” ist kein Stück zum Wohlfühlen. Von scheinbar zufälligen Begegnungen mehrerer Menschen wird hier der Übergang in ein totalitäres Regime gezeigt. Ein sich diesem Entgegenstellen erscheint wie ein nicht zu gewinnender Kampf gegen einen übermächtigen und brutalen Gegner. Ein starkes Stück mit einer starken Aussage. Die Luft ist bis zum letzten Moment zum Zerreißen gespannt.

Martin Schläpfer hat es nach den drei sehr konzentrierten Stücken merklich schwer. Fairerweise muss ich hierzu sagen, dass ich auch in der Vergangenheit nur selten Zugang zu seinen Stücken bekommen konnte. Heute erscheint es mir, als mache er auch bei seiner letzten Uraufführung als Ballettdirektor in Düsseldorf/Duisburg einfach weiter wie bisher. Kein Gefühl des Abschieds, keine mutigen Veränderungen oder Neuerungen. Und somit sehen wir ein nach meinem Empfinden überladenes und wenig akzentuiertes Stück, dem ich weder einen roten Faden noch eine besondere Botschaft entnehmen kann. Auch eine Vielzahl an sehr skurrilen Bewegungen und die scheinbar zufällige Kostümwahl sorgen bei mir für Irritation.

Kurzum, der Abend bietet viele Facetten des Balletts, eine klare Empfehlung möchte ich besonders für die beiden Stücke von Martha Graham aussprechen. Weitere Stücke von ihr wären für mich ein absoluter Besuchsgrund für zukünftige Ballett-Abende.

Markus_Wendel

Markus Wendel
Sachbearbeiter für Brand- und Katastrophenschutz

Markus Wendel ist schon seit langem Opernfan. Seine erste Begegnung mit Wagners „Götterdämmerung“ hatte er im Jahr 2003 im Düsseldorfer Opernhaus und war sehr begeistert.
Durch die vergangene Spielzeit als Opernscout haben sich sein „Horizont und Empfinden erweitert“. Überrascht war er davon, dass die Ballettinszenierungen 2018/19 ihn sogar mehr faszinierten als die Operninszenierungen.

Vielversprechender Beginn

Steps on the streetch: Martha Graham
Steps on the street ch: Martha Graham

Stefanie Hüber über die Premiere von „b.41“

Mein erster Abend als Opernscout beginnt sehr vielversprechend mit dem Stück „Forgotten Land“ von Jiří Kylián. Schon die ersten Klänge der Düsseldorfer Symphoniker ziehen mich in ihren Bann, zumal ich ein großer Fan Benjamin Brittens „Synfonia da Requiem“ bin.
Die Tänzer, die sich langsam, wie gegen einen Widerstand kämpfend, in Richtung Bühnenbild bewegen, erinnern mich an eine Gruppe von Lemmingen. Die Bewegungen der in Einklang mit dem Bühnenbild gekleideten Tänzer sind zeitweise entschlossen, zeitweise aufbegehrend mit Gesten, die an Wellen oder Vögel erinnern.
Doch auch folkloristische Tanzelemente meine ich zu erkennen.
Insgesamt empfinde ich die Inszenierung als sehr stimmig und sogartig und sie bewegt mich sehr.

Das darauffolgende Tanzsolo “ Lamentation“ von Martha Graham berührt in seiner Schlichtheit mit nur einer Tänzerin, die in ein lila Stretchröhrenkostüm gehüllt ist. Das Stück wird nur von Klaviermusik begleitet und erinnert dadurch an die Stummfilme der 20er-Jahre.
Die Beengtheit der Tänzerin in ihrem Schlauch erweckt in mir klaustrophobische Gefühle, so dass ich erleichtert bin, dass „Lamentation“ schon nach wenigen Minuten endet.
Die kraftvollen, energetischen Bewegungen vom darauffolgenden „Steps in the Street“ stellen für mich einen wohltuenden Kontrast da und sind für mich ein Sinnbild des getanzten Feminismus, zumal der teilweise archaisch anmutende Tanzstil  mich an Amazonen erinnert.
Insgesamt wird mir Martha Graham in positiver Erinnerung bleiben, wogegen mich „Cellokonzert“ von Martin Schläpfer enttäuscht und sehr anstrengt.

Schostakowitschs Cellokonzert finde ich furchtbar!

Die dazu gelieferte Tanzperformance empfinde ich als anstrengend und überfrachtet, die Kostüme gefallen mir auch nicht.
Ich finde insgesamt keinen Zugang,was mich traurig stimmt, da es Schläpfers letzte Inszenierung in Düsseldorf ist und er mir schon viele großartige Abende beschert hat…

Stefanie_Hüber

Stefanie Hüber
Physiotherapeutin

Die Physiotherapeutin arbeitet überwiegend mit psychisch kranken Menschen und nutzt Musik als Mittel der Therapie. Sie sang im Kammerchor und lernte als Kind Klavier und Blockflöte zu spielen.
Die Oper wurde ihr als Kind von ihren Eltern „vermiest“ aber sie fand einen neuen Zugang zu ihr durch ihre Tochter, die Musik studierte. Inzwischen ist die Oper ebenso wie Rockkonzerte ein spannendes und regelmäßiges Highlight in ihrem Leben.

 

…für jeden etwas dabei.

b41_Forgotten_Land_06_FOTO_Gert_Weigelt

Michael Langenberger über die Premiere von „b.41“

Vorab: Wie auch einige Male zuvor, habe ich sehr von der “Opernwerkstatt“, die einige Tage vor einer Premiere von der Oper angeboten wird, profitiert. Dort bekommt man einiges, dann natürlich noch ohne die Kostüm-und Bühnenausstattung, sondern sehr auf die wesentlichen Elemente der verschiedensten Stücke konzentriert, über die kommende Aufführung gezeigt und erläutert.

Gleich bei „Forgotten Land“ von Jirí Kylián war mir klar, das wird ein vergnüglicher Ballettabend. Tänzerische Macht durch sehr vielfältige Bilder und Bewegungen. Paarweise in großer Präzision und Ausdrucksstärke, als Gruppe oft in Wellenbewegungen, die ganze Bühne einbeziehend, raumgreifend. All das mit traumhaft schönen, farblich perfekt aufeinander abgestimmten Kostümen, langen Kleidern. Einfach mitreißend. Ein Knaller als Auftakt!

Danach dann “Lamentation” und „Steps in the Street” von Martha Graham, eine der Protagonistinnen des zeitgenössischen Tanzes und revolutionär zu Ihrer Zeit in der 1930er Jahren.

Tanz auf einer Bank sitzend – geht nicht? Irrtum, diese Idee bezieht alle drei Dimensionen ein, ohne dass die Person sich auf der Bühne vom Fleck bewegt. Wenn Sie sich dann noch ein Stoffschlauch-Kostüm vorstellen, das die Tänzerin von innen her zu immer neuen Formen und Ausdrücken verbindet – faszinierend!

Die „Steps in the Street” – eine Choreographie, die in meinen Augen von der präzisen Harmonie der Tänzerinnen und Tänzer lebt. Sobald sich das Ensemble zu Linien oder Carrés formiert, geht es darum seine tänzerische Individualität den z.T. hart getakteten Bewegungen der Gruppe zu unterwerfen. Ein bisschen “West Side Story”- Flair. Lösen sich die Gruppen auf, spielt die individuelle Qualität eines jeden Ensemble-Mitglieds die entscheidende Rolle.

Martin Schläpfers Idee, seine letzte Uraufführung mit einer Choreographie für sein gesamtes Düsseldorfer Ensemble zu dem 2.Cellokonzert von Schostakowitsch zu gestalten, ist sicherlich vielschichtig zu verstehen. So wie dieses Konzert eines der letzten Kompositionen von Schostakowitsch war, könnte man die Choreographie als Martin Schläpfers Abschiedswerk von dem Düsseldorfer Ballettensemble und -Publikum verstehen. In jedem Fall wird dem Zuschauer einiges abverlangt. Das gesamte Ballettensemble, alle auf einmal auf der Bühne, entfaltet schon eine Wucht und Dynamik an sich. In sehr unterschiedlich schnellen tänzerischen Einzeleinlagen, mal raumgreifend, mal punktuell, lässt Schläpfer seine Truppe noch einmal zeigen, was in Ihnen steckt. Man darf sagen, nicht umsonst zählen die hier versammelten Tänzer zu den Besten.

Einzig – Schostakowitschs Kompositionen zählen insgesamt nicht wirklich zu den musikalisch eingängigsten Klängen. Das 2. Cellokonzert ist wirklich schwere Kost.

Alles in allem, mit den unterschiedlichen, zumeist recht zurückhaltenden Bühnenbildern, wieder einer perfekten Beleuchtung, virtuos gespielter Musik – ganz so, wie erwartet, ein wunderschöner und mitreißender Ballettabend. Einen herzlichen Dank an alle Beteiligten!

Michael_Langenberger

Michael Langenberger
Wirtschaftsmediator und Coach

Michael Langenberger arbeitet freiberuflich als Wirtschafsmediator und Führungskräftecoach in Haan. Musik und Tanz spielen eine große Rolle in seinem Leben: Er spielt Klavier, sang im Chor und tanzt Standard, Latein, Salsa und Modern Contemporary. Er liebt die Vielfalt des kreativen Ausdrucks – sei es als Geschichtenerzähler, Musiker, Tänzer oder Opernscout – und macht sich diese auch im beruflichen Kontext zu Nutze. Bei der Bewertungen von Inszenierung versteht er sich nicht als „visuellen“ sondern als „akustischen Menschen“.

Vielseitiger Ballettgenuss

Cellokonzertch:Martin Schläpfer
Cellokonzert ch:Martin Schläpfer

Sassa von Roehl über die Premiere von „b.41“

Beim Beginn des Ballettabends b.41 mit Jiří Kylián „Forgotten Land“ stimmte für meinen Geschmack alles. Mit dem Heulen des Windes, der ernsten Musik von Benjamin Brittens  „Sinfonia da Requiem“ und den entschlossenen Bewegungen der Tänzer wurde ich sofort in den Bann der eindrucksvollen Szenerie gezogen. Es ist eine düstere Stimmung, in der mich die klaren Bewegungen der Tanzpaare faszinieren. Ihre anmutigen Figuren werden durch die fließenden Stoffe in paarweise identischen Farben betont. Das sich passend zu Musik und Tanz ändernde Licht verstärkt den Eindruck von großen Gefühlen, wie Liebe, Schmerz und Vergänglichkeit. Wir können noch so sehr dagegen ankämpfen – am Ende sind wir machtlos dem immer gleichen Gesetz von Werden und Vergehen ausgeliefert.

Nach einer kurzen Pause geht es mit starken Frauen weiter: Martha Grahams Choreographie „Lamentation“, eindrucksvoll umgesetzt von Camille Andriot. Die Tänzerin vollführt in einem elastischen Stoffschlauch sitzend Bewegungen, die das Gefühl großer Klage und Verzweiflung auslösen. Ich fühle mich an die Skulptur „Mutter mit totem Sohn“ von Käthe Kollwitz in der neuen Wache Unter den Linden in Berlin erinnert, der zentralen Gedenkstätte für die Opfer von Krieg und Gewaltherrschaft. Ein kurzes Stück, das unmittelbar unter die Haut geht und an das man sich durch seine Intensität lange, wenn nicht sogar für immer erinnern wird.

Ebenfalls von Martha Graham, der großen Revolutionärin des klassischen Balletts,  folgt „Steps in the Street“. Frauen, die sich sehr geometrisch, beinahe wie aufgezogen bewegen. Ihre weiße Haut in schwarzen Kleidern und vor schwarzem Hintergrund wirkt verletzlich. Die wie in einem militärischen Drill vollführten, harten Schritte und Armbewegungen stehen dazu im Gegensatz. Die spannungsgeladene Motorik löst bei mir die Assoziation zu Charlie Chaplins „Der große Diktator“ aus. Sicherlich beides eine Warnung vor dem Faschismus und damit ein Tanzstück, das nichts an Aktualität verloren hat.

Eine erneute Pause sorgt für eine mentale Trennung zum nächsten Stück, mit dem Martin Schläpfer seine Zeit in Düsseldorf beendet und nach Wien wechselt. Er hat sich dafür das 2.Cellokonzert von Schostakowitsch ausgesucht. Die Musik mutet sicherlich nicht umsonst spröde und unbequem an. Am Ende seines Lebens komponiert, zieht Schostakowitsch Resumée und nimmt Abschied, doch am Schluss fühlt man etwas Befriedetes, er akzeptiert sein Schicksal. Schläpfers Tanz dazu entzieht sich in weiten Teilen meiner Deutung. Immer, wenn ich meine, etwas interpretieren zu können, nimmt das Geschehen eine andere Wendung. Trotzdem erfreue ich mich an den herrlichen Bewegungen der Tänzerinnen und Tänzer, allen voran Marlúcia do Amaral, deren Ausdrucksstärke ich schon bei vielen Aufführungen bewundert habe. Schläpfer zeigt an diesem Abend noch einmal all sein vielfältiges Können und das seiner Compagnie. Das allein ist schon ein Genuss an sich, da braucht man gar keine andere Erzählung dahinter.

Sassa_von_Roehl

Dr. Sassa von Roehl
Social Campaining / Dozentin an der Heinrich-Heine-Universität

Dr. Sassa von Roehl engagiert sich für Zivilcourage und berät Gemeinnützige Projekte im Bereich PR. Als kulturinteressierte besucht sie oft das Theater Duisburg. Sie ist großer Martin Schläpfer Fan, im Bereich Oper allerdings eher ein „interessierter Neuling“. Gespannt startet sie nun in ihre erste Spielzeit als Scout für Oper und Ballett in Düsseldorf.

 

Bewegte Klangkunst

b41_Lamentation_03_FOTO_GertWeigelt

Benedikt Stahl über die Premiere von „b.41“

Der Abend beginnt mit „Forgotten Land“ von Jiří Kylián. Die Musik von Benjamin Britten trägt das groß inszenierte Bild, das an eine Meerlandschaft erinnert. Davor der Tanz, meisterhaft choreografiert und abgestimmt auf die Klänge, das Licht, die Farben. Eine etwas üppige aber schöne und in sich schlüssig komponierte Aufführung, die das Eintauchen in die bewegte Bühne leicht macht.

Die beiden Stücke von Martha Graham verlangen mehr, als nur Hingabe.

„Lamentation“ zeigt eine einzelne Figur, die an eine Skulptur erinnert, die aus sich heraus will. Ausdruckstark dargestellt von Camille Andriot, die sich zum Klavierstück von Zoltán Kodály auf einer Bank sitzend in einem Tuch bewegt, das ihren Körper umschließt. Sie windet sich, strebt auf, ringt, kreist, holt aus, zieht sich zurück, bäumt sich auf, will sich befreien und kommt in den letzten Klängen zur Ruhe. Vorläufig. Dann brausender Applaus. Ohne Zweifel ist der gerechtfertigt – dennoch wünschte ich mir danach erst mal nur Stille und mehr Raum für dieses Erlebnis.

„Steps in the Street“ ist von außerordentlicher Intensität der Körpersprachen bestimmt. Das Militärische in den Bewegungen und in der Musik wirkt bedrohlich. Die scharf ausgeleuchteten Bilder hallen nach. Die gewollte Mahnung gegen Krieg und Faschismus ist auch heute noch sehr gut nachvollziehbar und aktueller denn je.

Eine weitere Pause und danach das „Cellokonzert“ von Martin Schläpfer.

Mit diesem großartigen Werk gelingt ein prachtvolles Klanggemälde. Immer wieder füllt und bewegt sich die Bühne zur Musik von Schostakowitsch. Die Tänzer fügen die Teile zu einem Ganzen, lassen innere Stimmen ebenso zur Geltung kommen wie kraftvolle Gesten. Ein farbenfrohes Ballettaquarell, dessen Stimmungen ineinander fließen und dass noch lange nachleuchtet.

Unbedingte Empfehlung!

Benedikt_Stahl

Benedikt Stahl
Architekt und Professor an der Alanus Hochschule

Als selbständiger Architekt und Partner im Düsseldorfer Atelier Fritschi & Stahl hat Benedikt Stahl eine große Nähe zur Kunst: Was macht Stadtraum, was macht die Choreographie, die Dramatik der Räume aus? Zur Oper ist es da nicht weit. Wenn in einer Inszenierung alle komponenten gut zusammenkommen dann entsteht „ein großes Kunstwerk“ und in der Deutschen Oper am Rhein ist „immer was für einen dabei“. Besonders gefällt ihm die Vielseitigkeit von Oper und Ballett.

Ein großer Bogen durch Zeit und Stil der modernen Ballettgeschichte

Forgitten Land ch: Jiri Kylian
Forgitten Land ch: Jiri Kylian

Charlotte Kaup über die Premiere von „b.41“

Kylián, Graham, Schläpfer – b.41 schlägt einen großen Bogen durch Zeit und Stil der modernen Ballettgeschichte.

Es geht um Vergänglichkeit an diesem Abend. Kylián findet eine umwerfende Formsprache für große Themen und verzaubert vom ersten Moment an. Sechs Paare tanzen vor einer beeindruckenden, düsteren Meereslandschaft und erscheinen hingerissen von Naturgewalten.

Sein Tanz bildet dabei in seiner Abwechslung aus Ruhe und Unruhe eine untrennbare Einheit mit Benjamin Brittons Musik, als wäre sie eigens für ihn geschrieben.

Das gewaltige Bühnenbild, welches durch diskrete Lichtakzente die Atmosphäre geschickt untermalt, in Kombination mit den wallenden Kostümen und unglaublich fließenden, erhabenen Bewegungen gibt dem ganzen Stück etwas sakrales und entführt den Zuschauer für den Moment in eine beinahe surreale Welt.

Nach dem ästhetisch sehr harmonischen und zugleich aufrüttelnden Beginn folgt mit Martha Grahams „Lamentation“ ein Stück strenger Konzentration, reduziert auf wenige, jedoch extrem kraftvolle Gesten. Dazu ein wunderbar klarer Ausdruck von Camille Andriot im Zusammenspiel mit Eduardo Boechat am Klavier – für mich einer der stärksten Momente des Abends.

Auch das zweite Stück Grahams, „Steps in the Street“, besticht durch klare und drastische Formsprache. Noch Jahrzehnte nach der Uraufführung hat das Stück nichts an Aktualität verloren, es wirkt modern und mitreißend und bietet reichlich Anknüpfungspunkte zu aktuellen Themen.

Den Abschluss bildet Martin Schläpfers Cellokonzert – die letzte Uraufführung des Choreografen an der Deutschen Oper am Rhein. Es gibt viel zu sehen – bunte Kostüme, quirlige Gruppentänze, reichlich Parallelhandlungen, zuweilen irritierende Brüche und immer wieder bildhafte Gesten des Abschieds.

Anders als bei Kylián oder Graham ist der Zugang nicht so leicht zu finden, da die vielen unterschiedlichen Reize zeitweise überwältigend wirken und teils etwas zusammenhanglos erscheinen. Dennoch bietet das Stück ein interessantes Gegengewicht zu den beiden vorangegangenen. Man wird zum Beobachter eines lebendigen Treibens und muss selbst entscheiden, wovon man seinen Blick anziehen lässt. Viele einzelne Momente, abwechslungsreiche Kompositionen und auch der spannungsvolle Einsatz des Spitzenschuhs haben mir dabei sehr gut gefallen.

Alles in allem für mich ein sehr vielfältiger und absolut sehenswerter Ballettabend!

Charlotte_Kaup

Charlotte Kaup
Ärztin in der Radiologie

Vor kurzem hat die junge Ärztin eine Stelle in Mönchen Gladbach angetreten. Vorher arbeitete sie einige Jahre als Ballettlehrerin beim Hochschulsport. Sie ist Regelmäßige Besucherin der Ballettinszenierungen der Deutschen Oper am Rhein und ist sehr begeistert von der Vielfalt des Repertoires.
Bezüglich der Oper ist sie ein Neuling, möchte dies aber gerne ändern und freut sich deshalb auf ihre Zeit als Scout und die Möglichkeit sich mit Opernliebhabern austauschen zu können.

Ballett kann so verschieden sein – beglückend oder schwer zu deuten

Cellokonzert
ch:Martin Schläpfer

Hubert Kolb über die Premiere von „b.41“

Die Liste von besonderen Gästen mit Betreuung durch das Pressereferat war so lang wie schon lange nicht mehr: es stand die letzte neue Choreographie von Martin Schläpfer vor seinem Wechsel nach Wien an.

Dabei hatte Martin Schläpfer Verständnis für das Publikum. Vor seinem anspruchsvollen Werk hatte er drei kürzere, ältere Choreographien zum Genießen ins Programm genommen.

Das erste Stück war Forgotten Land von Jiří Kylián mit der Sinfonia da Requiem von Benjamin Britten. Es war ein großartig getanztes Werk über den Rhythmus von Leben und Sterben, umgesetzt als dem Meer, den Gezeiten, Wellen und Strudel abgeschaute Bewegungen von sechs Paaren. Eine so stimmende Einheit von Tänzer, fließender Bewegung und Musik habe ich selten erlebt. Der Beifall war der stärkste des ganzen Abends.

Die beiden nächsten Stücke waren Klassiker der Choreographin Martha Graham, aus den 1930er Jahren. Die damals moderne Musik passte zur strengen Geometrie der Bewegungen. Martha Grahams Tanzstil ist aber nicht mein Geschmack. Die ruckartigen etwas mechanisch wirkenden Bewegungen kamen mir oft wie die von Tanzpuppen vor. Beide Werke erreichten daher nicht mein Inneres.

Nach der zweiten Pause kam dann Schläpfers neuestes Werk, zur Musik des zweiten Cellokonzertes von Schostakowitsch (Nikolaus Trieb und die DüSys mit Axel Kober waren großartig.). Das ganze Tanzensemble musste zum Abschied ran, das führte öfter zu eindrucksvollen Gruppenchoreographien auf der Bühne, mit guten Lichteffekten, aber mich nicht überzeugenden Bühnenbild und Kostümen.

Schon in der öffentlichen Probe der Ballettwerkstatt war zu erleben, wie Martin Schläpfer auch kleine Details der komplexen Tanzbewegungen korrigierte. Zum Teil fand ich die Bewegungen faszinierend, zum Teil störte der abrupte Wechsel zu anderen Tanzformen. Ein roter Faden mit einer emotional wahrnehmbaren Botschaft war nicht erkennbar. Aber Schläpfer dürfte alle Bewegungen sehr genau in Hinblick auf die Musik und das Gesamtwerk durchdacht haben. Es erschloss sich mir nur nicht. Dafür sollte ich das Stück mindestens noch einmal sehen!

Fazit: Ein Ballettabend mit großer Bandbreite und einer überzeugenden Entwicklung von emotional stimmigem Tanz über eine eher mechanische Tanzform zu der komplexen Choreographie von Martin Schläpfer.

Kolb_Hubert_Foto_Andreas_Endermann

Dr. Hubert Kolb
Professor für Immunologie/Diabetologie im Ruhestand

Als Biologe und Immunologe hat Hubert Kolb am Deutschen Diabetes-Zentrum Düsseldorf zu Mechanismen und Therapien des Kinder- und des Erwachsenendiabetes geforscht und gearbeitet. Vorsorge und Umgang mit der Krankheit beschäftigen ihn auch noch im Ruhestand. Den Weg zur Oper fand Hubert Kolb im Studium in München – eine „Zauberflöte“ in Spitzenbesetzung begeisterte ihn nachhaltig. Mittlerweile findet er genügend Zeit, die Oper regelmäßig zu besuchen und Vieles neu kennen zu lernen. Auch das Ballett am Rhein, das ihm unter Martin Schläpfer unerwartet gut gefällt.

Ein gelungener Abend

01_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Christiane Hain über die Premiere von „La Bohème“

Eine der bekanntesten Opern von Giacomo Puccini ist „La Bohème“. Sie erzählt von dem einfachen Leben der Bohemiens die sich gegen die Normen der bürgerlichen Gesellschaft stellen, wenig Geld haben, aber von der Freude und der großen Liebe im Leben träumen.

Dies ist das erste Mal, das ich diese Oper höre und sehe. Um mein Fazit vorwegzunehmen: Reingehen, sich von der Musik verzaubern lassen und die zeitgenössische Inszenierung auf sich wirken lassen. Es ist ein gelungener Abend.

Der Zuschauer wird von Anfang an von der Musik Puccinis, die voller Emotionen ist, mitgenommen auf eine Reise durch das Leben bzw. die Erinnerungen des  Rodolfos, an seine Zeit in Paris. Das Stück wird getragen durch die Musik, die hervorragend durch die Duisburger Philharmoniker zusammen mit ihrem Dirigenten interpretiert wird.

Die schauspielerische und gesangliche Darbietung von Rodolfo und seinen Freunden ist auf einem sehr hohen Niveau  und sehr ausgewogen. Die vier Darsteller lassen das Leben zwischen Hunger, Trauer,  Suche nach Liebe und ausgelassener Freude sehr lebendig werden. Mimì und Musetta sind zwei ganz unterschiedliche Frauen, die eine sehr ernsthaft und die andere sehr flatterhaft. Es ist sehr interessanter, dass beide Frauen dieselbe Frisur und Kleidung haben, dadurch identisch wirken und so eine Typisierung für die Liebe stattfindet.

Wer bei „La Bohème“ nun ein opulentes Bühnenbild erwartet, wird enttäuscht. Die Hauptakteure verlassen in den 4 Bildern nicht den Raum. Der Zuschauer muss sich die räumlichen Wechsel vorstellen, was nicht immer einfach ist. Der Raum mit grünen Fliesen an der Wand lässt den Zuschauer fragen, ob es sich hierbei um ein Schwimmbad, Raum in einem Bahnhof oder Sanatorium handelt. Auf jeden Fall symbolisiert dieser die Kälte, in der die Bohemians leben, da sie einfach kein Geld zum Heizen haben. Ein guter Einfall ist die zweite Ebene, auf der das Treiben auf dem Weihnachtsmarkt stattfindet. Dies wird hervorragend durch den Chor der deutschen Oper am Rhein und dem Kinderchor in Szene gesetzt. Hervorzuheben sind hier auch die tollen Kleider der Pariser Bürger.

Der junge Regisseur Philipp Westerbarkei fordert in der Inszenierung den Zuschauer heraus, sich mit dem Stück auseinanderzusetzen, man muss aufpassen, um alle Details zu bemerken. Es bleiben einige Szenen ungeklärt, offen und unterschiedlich interpretierbar. Dies schien nicht allen Zuschauern zu gefallen, die ihr Missfallen auch am Ende durch einige Buhrufe bekundeten. Überwogen hat jedoch die Zustimmung zur Musik und Inszenierung.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Christiane Hain
Application Managerin

Christiane Hain arbeitet im IT-Bereich einer Bank in Düsseldorf. Sie ist in der Neckarstraße Duisburg aufgewachsen – in Sichtweise des Theaters, das ein fester Bestandteil im Familienleben war: Die Großmutter, die Eltern, die Schwester und sie selbst – alle waren regelmäßige Theaterbesucher. Ihre Tätigkeit als Opernscout führt dazu, dass sie wieder bewusster ins Theater geht und die Aufführungen als einen wichtigen Ausgleich zum Berufsleben betrachtet.

Eine Oper über die Eindrücke des Lebens

06.11.2019, DU Duisburg , Deutsche Oper am Rhein, Theater der Stadt Duisburg , Generalprobe.
06.11.2019, DU Duisburg , Deutsche Oper am Rhein, Theater der Stadt Duisburg , Generalprobe.

Vinuar Amuka über die Premiere von „La Bohème“

La Bohème, die Oper über die Eindrücke des Lebens in der Großstadt, der unverhofften und stark empfundenen Liebe; über das Leben der Bohemien, jene unbekümmerte und unkonventionelle Künstlernatur des ausgehenden 19. Jahrhunderts. Jene, die oftmals verarmt, das Leben improvisieren, frei gestalten, abseits der bürgerlichen Normen.
Folgerichtig interessierte mich beim Besuch der Oper, wie das aktuellste aller Themen im Leben, nämlich wie die Liebe in dieser Aufführung inszeniert wird.

Das erste Bild erscheint entgegen dem Erwarteten nicht jene Mansarden Kemenate hoch oben unter dem Dach, die oft beschrieben den Rahmen für die Handlung gibt, sondern ein eintöniger Raum einem Keller oder Krankenhauszimmer ähnelnd, halbrund und kleiner als die Bühne an sich. Genau in diesem Raum werden die persönlichen, subjektiven und augenblicklichen Eindrücke dargeboten, die mich und auch das Publikum sofort zum Teil der Handlung und des Geschehens machte.

Die ersten Handlungssequenzen im „Kellerraum“, die mehr oder minder miteinander verbunden sind, fordern zunächst die höchste Konzentration, um das Geschehen zu verstehen und einzuordnen.
Die Bohemien, deren Schicksal in diesem Raum miteinander verknüpft zu sein scheint und die gar gleich gekleidet sind. Sie erleiden Armut und Not. Scheitern im Alltäglichen (Rodolfo verbrennt sein literarisches Werk, um nicht zu erfrieren). Schaffen es dennoch durch skurrile Zufälle und Finessen das Alltägliche zu überstehen.

Ganz unverhofft lernt Rodolfo genau in diesem Raum Mimì kennen, die sich scheinbar dorthin verirrt hat.
Es ist Liebe auf den ersten Blick, ergreifend und fesselnd.

Die Freunde wollen in einem Café feiern, die Vorweihnachtszeit genießen.
In der Inszenierung zeigt sich das Pariser Stadtleben, oberhalb des Raumes der Bohemien, wie eine Art parallele Realität zum Leben dieser. Die Pariser vergnügen sich mit Einkäufen von Spielzeug, in opulenter, rötlicher ausgestatteter Kleidung, mit aufeinander abgestimmten Bewegungen, während im Raum gegen Hunger und Not getrotzt wird.

Im zweiten Bild der Oper entwickelt sich ein sehr spannungsreicher Contest der Arten der Liebe. Welche Art der Liebe ist standhafter? Die lockere, offene Liebe zwischen Marcello und Musetta? Unstetig, unverbindlich, die Freiheit der Taten ermöglicht (Musetta lässt sich von älteren Liebhabern aushalten).
Oder die tiefe Liebe zwischen Rodolfo und Mimì, die letztendlich von Zwängen und Pflichten belastet wird?

Besonders ergreifend im dritten Bild und im Wesentlichen durch die Musik Puccini’s, die äußerst fließende und weiche Übergänge hat, dadurch vollkommen harmonisch die Trennung der sich liebenden Mimì und Rodolfo begleitet und erlebbar macht. Wer hat sich noch nicht so verzweifelt gefühlt wie Mimì, als sie die Trennung versuchte zu überstehen? Alleine, an einer Wand lehnend?

Mimì und Rodolfo mussten sich zwar trennen, verschoben aber die Trennung bis zum Frühling, um im Winter nicht vereinsamt zu sein.

Im vierten Bild schließlich muss Mimì durch eine lang andauernde Erkrankung sterben. Trotz der Versuche Musetta’s und der Bohemien, das letzte Hab und Gut zu verkaufen, um medizinische Hilfe herbeizuschaffen.

In tiefster Trauer, durch einen expressiven Schrei Rodolfo’s zutiefst erlebbarer Schmerz um den Tod Mimì’s, der nur durch die hervorragende schauspielerische Fähigkeit der darstellenden Künstler ermöglicht wird, endet die Handlung der Oper, nur ahnend, ob all das ein Wahnsinn, eine Erinnerung oder doch eine Momentaufnahme des wahren Lebens ist?

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Vinuar Amuka
Sozialpädagogische Familienhelferin

Die 37 jährige Irakerin lebt seit ihrer Jugend in Deutschland und arbeitet als sozialpädagogische Familienhelferin. Sie hegt eine starke Begeisterung für Oper und Ballett. Um Inszenierungen besser bewerten und nachvollziehen zu können nimmt sie Gesangs- und Klavierunterricht. Als Scout erhofft sie sich die Oper noch intensiver zu erleben und wahrzunehmen. Sie findet, dass man in der Oper „vielem aus dem realen Leben begegnet, aber ganz anders damit umgeht“.