Eine Oper über die Eindrücke des Lebens

06.11.2019, DU Duisburg , Deutsche Oper am Rhein, Theater der Stadt Duisburg , Generalprobe.
06.11.2019, DU Duisburg , Deutsche Oper am Rhein, Theater der Stadt Duisburg , Generalprobe.

Vinuar Amuka über die Premiere von „La Bohème“

La Bohème, die Oper über die Eindrücke des Lebens in der Großstadt, der unverhofften und stark empfundenen Liebe; über das Leben der Bohemien, jene unbekümmerte und unkonventionelle Künstlernatur des ausgehenden 19. Jahrhunderts. Jene, die oftmals verarmt, das Leben improvisieren, frei gestalten, abseits der bürgerlichen Normen.
Folgerichtig interessierte mich beim Besuch der Oper, wie das aktuellste aller Themen im Leben, nämlich wie die Liebe in dieser Aufführung inszeniert wird.

Das erste Bild erscheint entgegen dem Erwarteten nicht jene Mansarden Kemenate hoch oben unter dem Dach, die oft beschrieben den Rahmen für die Handlung gibt, sondern ein eintöniger Raum einem Keller oder Krankenhauszimmer ähnelnd, halbrund und kleiner als die Bühne an sich. Genau in diesem Raum werden die persönlichen, subjektiven und augenblicklichen Eindrücke dargeboten, die mich und auch das Publikum sofort zum Teil der Handlung und des Geschehens machte.

Die ersten Handlungssequenzen im „Kellerraum“, die mehr oder minder miteinander verbunden sind, fordern zunächst die höchste Konzentration, um das Geschehen zu verstehen und einzuordnen.
Die Bohemien, deren Schicksal in diesem Raum miteinander verknüpft zu sein scheint und die gar gleich gekleidet sind. Sie erleiden Armut und Not. Scheitern im Alltäglichen (Rodolfo verbrennt sein literarisches Werk, um nicht zu erfrieren). Schaffen es dennoch durch skurrile Zufälle und Finessen das Alltägliche zu überstehen.

Ganz unverhofft lernt Rodolfo genau in diesem Raum Mimì kennen, die sich scheinbar dorthin verirrt hat.
Es ist Liebe auf den ersten Blick, ergreifend und fesselnd.

Die Freunde wollen in einem Café feiern, die Vorweihnachtszeit genießen.
In der Inszenierung zeigt sich das Pariser Stadtleben, oberhalb des Raumes der Bohemien, wie eine Art parallele Realität zum Leben dieser. Die Pariser vergnügen sich mit Einkäufen von Spielzeug, in opulenter, rötlicher ausgestatteter Kleidung, mit aufeinander abgestimmten Bewegungen, während im Raum gegen Hunger und Not getrotzt wird.

Im zweiten Bild der Oper entwickelt sich ein sehr spannungsreicher Contest der Arten der Liebe. Welche Art der Liebe ist standhafter? Die lockere, offene Liebe zwischen Marcello und Musetta? Unstetig, unverbindlich, die Freiheit der Taten ermöglicht (Musetta lässt sich von älteren Liebhabern aushalten).
Oder die tiefe Liebe zwischen Rodolfo und Mimì, die letztendlich von Zwängen und Pflichten belastet wird?

Besonders ergreifend im dritten Bild und im Wesentlichen durch die Musik Puccini’s, die äußerst fließende und weiche Übergänge hat, dadurch vollkommen harmonisch die Trennung der sich liebenden Mimì und Rodolfo begleitet und erlebbar macht. Wer hat sich noch nicht so verzweifelt gefühlt wie Mimì, als sie die Trennung versuchte zu überstehen? Alleine, an einer Wand lehnend?

Mimì und Rodolfo mussten sich zwar trennen, verschoben aber die Trennung bis zum Frühling, um im Winter nicht vereinsamt zu sein.

Im vierten Bild schließlich muss Mimì durch eine lang andauernde Erkrankung sterben. Trotz der Versuche Musetta’s und der Bohemien, das letzte Hab und Gut zu verkaufen, um medizinische Hilfe herbeizuschaffen.

In tiefster Trauer, durch einen expressiven Schrei Rodolfo’s zutiefst erlebbarer Schmerz um den Tod Mimì’s, der nur durch die hervorragende schauspielerische Fähigkeit der darstellenden Künstler ermöglicht wird, endet die Handlung der Oper, nur ahnend, ob all das ein Wahnsinn, eine Erinnerung oder doch eine Momentaufnahme des wahren Lebens ist?

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Vinuar Amuka
Sozialpädagogische Familienhelferin

Die 37 jährige Irakerin lebt seit ihrer Jugend in Deutschland und arbeitet als sozialpädagogische Familienhelferin. Sie hegt eine starke Begeisterung für Oper und Ballett. Um Inszenierungen besser bewerten und nachvollziehen zu können nimmt sie Gesangs- und Klavierunterricht. Als Scout erhofft sie sich die Oper noch intensiver zu erleben und wahrzunehmen. Sie findet, dass man in der Oper „vielem aus dem realen Leben begegnet, aber ganz anders damit umgeht“.

La Bohème als Kammerspiel

02_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Isabel Fedrizzi über die Premiere von „La Bohème“

Eigentlich ist diese La Bohème ein Kammerspiel: das Geschehen spielt sich von Anfang bis Ende in einem Raum ab, es sind nur sieben Personen beteiligt und der thematische Schwerpunkt lässt sich (vielleicht etwas reduziert ausgedrückt) mit einem Wort umreißen: die LIEBE. Es sind verschiedene Facetten der Liebe, die in der Duisburger Bohème die Hauptrolle spielen: oberflächliche, einseitige, eifersüchtige, tief empfundene und enttäuschte Liebe… die sechs Hauptpersonen verzaubern durch eine riesengroße stimmliche Intensität kombiniert mit einer großartigen schauspielerischen Leistung. Alles wirkt echt, authentisch und ungekünstelt – dadurch fesseln die Figuren und ihr Schicksal wirkt aufrichtig anrührend. Das ist zu einem großen Teil der Verdienst der Sänger, deren Stimmen so wunderbar passend ausgewählt sind, dass die Besetzung nicht besser sein könnte. Den anderen Teil des Lobs verdient die Inszenierung des jungen  Philipp Westerbarkei: sein Kammerspiel im halbrunden, gekachelten Raum wirkt zu Beginn nüchtern und räumlich wie atmosphärisch begrenzt, so dass man einen Moment lang befremdet ist. Aber schnell und beinahe unmerklich wird die vermeintliche Leere im Lauf der ersten Szenen schon durch so intensives Spielen, packenden Gesang und aufmerksames Wahrnehmen-Wollen aller Details mit reichlich Atmosphäre und Stimmung gefüllt. Die einzige große Veränderung der Bühnensituation, bei der eine Marktszenerie im oberen hinteren Bühnenbereich sichtbar wird, ist dabei überraschend, sehr effektvoll und wirkt wie ein „Bild im Bild“. Diese, wie auch andere dramaturgische Feinheiten erschließen sich nicht immer sofort – das macht aber nichts, sind es doch gerade diese Eindrücke, die noch lange nachwirken und zum nachträglichen Rätseln und Heruminterpretieren einladen…

Die Duisburger Philharmoniker haben sich bei der Premiere mit Ruhm bekleckert: ein wunderbarer Orchesterklang, dicht und homogen und trotzdem bis in die einzelnen Instrumentengruppen hinein durchsichtig und klangschön. Nach einem recht voluminösen Einstieg ist das Orchester in musikalischer Hochform gewesen – Puccinis zeitlose, bewegende und schöne Musik war in besten Händen.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Isabel Fedrizzi
Musikjournalistin

Die studierte Musik- und Kommunikationswissenschaftlerin arbeitet „auf kleiner Flamme“ als Musikjournalistin, u. a. für den Düsseldorfer Verlag „Staccato“. Im Hauptberuf ist sie Mutter zweier schulpflichtiger Töchter, in ihrer Freizeit begeistert sie sich für das Kulturangebot der Deutschen Oper am Rhein. Nach den Premieren schätzt sie die Gespräche mit den anderen Scouts, die den eigenen Blickwinkel erweitern.

Ein gelungener Abend mit nachwirkenden Eindrücken

09_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Dagmar Ohlwein über die Premiere von „La Bohème“

Für mich war diese Puccini Oper eine großartige Aufführung in moderner Form. Der Abend hat mich begeistert zum einen durch die wunderbaren Stimmen der Protagonisten, allen voran Liana Aleksanyan als Mimi und Eduardo Aladrén als Rodolfo. Ihre Stimmen berührten mich tief und klingen noch nach. Zum anderen rundeten Chor und Kinderchor und die Duisburger Philharmoniker einmal mehr die überragende Darstellung hervorragend ab.

Wahrhaft überzeugend wirkte auf mich die schauspielerische Leistung insbesondere der vier Bohemiens, dargestellt von Bogdan Baciu, Luke Stroker, Eduardo Aladrén und Richard Šveda. Die Regiearbeit von Philipp Westerbarkai ist eine Inspiration für „altehrwürdige“ Opern,  diese in eine für unsere Zeit moderne Form zu bringen. Große Operngesten, deren Bedeutung oft gar nicht mehr bekannt ist, fehlen wohltuend. Das Auftreten der Darsteller ist zeitgemäß, so dass die Botschaft des Stückes meiner Meinung nach viel intensiver hervortritt: das Leben der Bohème; diese Kunst, die gekennzeichnet ist durch nicht nachlassende Selbstinszenierung und dem Versuch mit Nichtstun trotzdem ein komfortables, luxuriöses Leben zu führen. Dabei scheitern sie, die Bohemiens, allerdings gnadenlos  an den Notwendigkeiten des alltäglichen Lebens.  Vermeintliche Kreativität, schwache künstlerische Fähigkeiten und Selbstbetrug lassen sie auf ihrer Suche nach dem paradiesischen Leben in einer traurigen, verzweifelten Situation enden. Hervorragend wurde das bei dieser Aufführung herausgearbeitet

Nicht ganz erschlossen hat sich für mich in seiner Bedeutung das Bühnenbild, desweiteren das fast schon unsäglich nervende Hantieren Rodolfos mit seinen Manuskript-Blättern.

Ein Besuch der Oper lohnt sich in meinen Augen in jedem Fall, ein gelungener Abend mit noch nachwirkenden Eindrücken. Ein großes Lob geht an alle Darsteller und Philipp Westerbarkai.

Dagmar_Ohlwein

Dagmar Ohlwein
Rentnerin

Die Physiotherapeutin ist gerade im Ruhestand angekommen und widmet nun einen großen Teil ihrer Zeit der Kultur. Das heißt für sie regelmäßig diverse Kulturangebote warzunehmen. Als Jugendliche hat sie „direkt um die Ecke“ vom Theater Duisburg gelebt und so schon immer viel Kontakt zur Kunst gehabt. Sie ist sehr gespannt auf ihr erstes Jahr als Duisburger Opern- und Ballettscout und freut sich auf die Saison 2019/20.

Rodolfos tote Scheinwelt

12_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Jürgen Ingenhaag über die Premiere von „La Bohème“

Die Oper „La Bohème“ von Giacomo Puccini zählt zu den am meisten gespielten Opern. Alle Besucher wissen, dass es kein Happy End gibt. Die aktuelle Duisburger Inszenierung steht unter dem Motto „Erinnerung an eine Liebe“ und zeigt den Dichter Rodolfo „gefangen in der zerstörerischen Druckkammer seiner eigenen Psyche“, wie es so schön im Programmheft heißt.

Die Armut, der auf der Bühne dargestellten Künstler in ihrem edlen Zwirn, kaufe ich nicht ab. Überhaupt übertreffen sich alle in ihrer albernen Coolness wie etwa der um sich boxende Musiker Schaunard.
Als der Dichter Rodolfo angeberisch aufopfernd sein Manuskript verbrennt und alles verqualmt, kommt mir die „Erinnerung an eine Sprinkleranlage“. Bei der Weihnachtsmarkt-Szene ist offensichtlich, dass sich Rodolfo in einer toten Scheinwelt befindet. Diese ist mit Chor, Kinderchor und Statisterie sehr aufwändig und steckt voller Details. Großes Lob an Kostüm und Maske.
Musetta erinnert mich nicht nur wegen ihres eleganten französischen Bob-Haarschnitts an „Lulu“, der Femme fatale. Musetta nutzt ihren reichen Liebhaber aus und findet zu Marcello zurück. So selbstbewusst ist die kranke Mimì nicht, auch wenn sie fast genauso aussieht.
In der zweiten Hälfte ist das Bühnenbild noch düsterer und bedrückender. Ganz unten gibt es kein Entkommen mehr aus Rodolfos Gefühlskälte. Vielleicht muss man es so verstehen: Rodolfo ist zu feige, Mimì beim Sterben zu begleiten und trennt sich lieber von ihr. Stattdessen gibt es große Sprüche, und er albert mit seinen Freunden herum. Seine Gedanken spielen verrückt, als Mimì – und somit seine Muse – stirbt…

Klasse Darsteller, sehr gut gespielt und gesungen – und alle aus dem Rheinoper-Ensemble. Puccinis Musik entfaltet ihre Magie, und die Duisburger Philharmoniker spielen wie immer in der ersten Liga.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Jürgen Ingenhaag
Fachkraft für Arbeitssicherheit

Als Vorstandsmitglied der Musikalischen Gesellschaft Rheinberg organisiert Jürgen Ingenhaag klassische Konzerte in der Stadt am Niederrhein. Als Opernscout versteht er sich als „Botschafter für das Theater Duisburg“. Daneben spielt er Gitarre in der Rheinberger Band ,,Die Zauberlehrlinge“. Seine Leidenschaft für Rock- und Popmusik hat ihn nicht daran gehindert, ein großer Freund der Oper zu werden.

Dalila!

SamsonDalila_PRESSE_13_FOTO_Jochen_Quast

Benedikt Stahl über die Premiere von „Samson et Dalila“

Mit nur ganz wenigen Worten würde ich dieses Opernerlebnis so beschreiben: Dalila! Die Musik! Der Chor!

Es soll aber etwas ausführlicher sein und so erinnere ich mich gerne noch einmal an die farbenreichen Bilder, die einnehmenden Klänge und den spannungsreichen Ablauf dramatischer Bühnenereignisse.

Zu Beginn der aus dem Untergrund hochfahrende Chor der Bauarbeitersklaven, die mit ihren Stirnlampen das Publikum blenden. So werden die Köpfe vor mir, werde ich selbst, getragen von raumfüllender Musik in das Stück hineingezogen, wird alles eins.

Dann nimmt das Drama seinen Lauf. Widerstand, Kampf, Verwüstung, Rache, Gier, Liebe, Eifersucht, Verzweiflung, Intrige, Mordlust, Verrat, Größenwahn und der unausweichliche Untergang zum Schluss (der in dieser Inszenierung viel zu harmlos ausfällt): von allem etwas, Oper pur!

Herausragend und vom ersten bis zum letzten Moment auf der Bühne: Ramona Zaharia als Dalila. Sie ist in ihrer Erscheinung, ihrer Gestik und natürlich mit ihrer Stimme dermaßen präsent und verführerisch, dass alles andere, wie zum Beispiel die Bühnenarchitektur oder die Kostüme, die zuweilen etwas überanstrengt wirken, Nebensache wird. Der Höhepunkt ist ihre Arie, „Mon cœur s’ouvre à ta voix“ mit Samson, die wunderbar sinnlich ausgeleuchtet und voller Ausdruck noch lange nachwirkt.

Michael Weinius kommt als Samson eigentlich erst so richtig in Fahrt, nachdem (endlich) von seiner Angebeteten der blöde Zopf abgeschnitten ist und ihm die Augen ausgestochen werden. Ziemlich ekelhafte Szene übrigens, die damit den Oberpriester des Dagon, super gespielt und gesungen von Simon Neal, noch unausstehlicher macht. Gelungene Dramaturgie!

Getragen wird das alles vom fantastischen Chor und dem Orchester, die das grandiose Werk von Camille Saint-Saëns, an diesem Abend unter der Leitung von Marie Jacquot, großartig aufführen.

Ich würde nochmal reingehen. Alleine schon wegen Dalila!

Benedikt_Stahl

Benedikt Stahl
Architekt und Professor an der Alanus Hochschule

Als selbständiger Architekt und Partner im Düsseldorfer Atelier Fritschi & Stahl hat Benedikt Stahl eine große Nähe zur Kunst: Was macht Stadtraum, was macht die Choreographie, die Dramatik der Räume aus? Zur Oper ist es da nicht weit. Wenn in einer Inszenierung alle komponenten gut zusammenkommen dann entsteht „ein großes Kunstwerk“ und in der Deutschen Oper am Rhein ist „immer was für einen dabei“. Besonders gefällt ihm die Vielseitigkeit von Oper und Ballett.

Liebevoll, rasant und voller Details

11_La_Boheme_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Michael Menge über die Premiere von „La Bohème“

Wer nicht weint, ist selber schuld, eine Inszenierung, die Sie in vier Bildern berühren wird.

Der Beginn der Oper ist unerwartet, schnell und voller Lebenslust ganz nach dem Motto: „Weisheit ist nicht erlaubt außer in besonderen Fällen.“ Stürzen sich die vier Freunde in Ihre Träume, Ideale und Auseinandersetzungen.

Die zweite Premiere der laufenden Spielzeit im Theater Duisburg inszeniert von Philipp Westerbarkei, dem Punker der „Deutschen Oper am Rhein“, begeistert durch eine überragende Leistung der Sänger*innen sowie des Orchesters. Ausgelöst durch die spürbare Harmonie zwischen den Sänger*innen, die die sechs Künstler*innen zu einer grandiosen Darbietung Ihrer Fähigkeiten und Talente geführt hat.

Das reduzierte Bühnenbild der Aufführung irritiert zu Anfang, macht neugierig und begeistert am Schluss. Philipp Westerbarkei versteht es mit den Erwartungen seines Publikums zu brechen und dieses mit Ihrer Unsicherheit und offenen Fragen bis zum Schluss alleine zulassen. Nur wer von Beginn an aufmerksam war, hat die Möglichkeit, die Inszenierung am Schluss mit dem Bühnenbild in Bezug zusetzen.

Liebevoll, rasant und voller Details die die Vielfalt des Lebens ausmachen erzählt Philipp Westerbarkei die Oper „La Bohéme“ in seiner eigenen Auffassung und Sprache.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Michael Menge
Selbstständiger Grafikdesigner

Michael Menge ist Inhaber der Designagentur „Oppa Franz“ aus Duisburg. Im Dialog mit seinen Kunden schaut der Art Direktor und Designer genau hin: „Es geht uns um den ganzheitlichen Charakter eines Unternehmens. Denn interessante Persönlichkeiten sind nicht perfekt – und spannende Marken auch nicht.“ Als Opernneuling gestartet, hat er an dieser Kunstform großen Gefallen gefunden: „Duisburg bietet vielschichtiges, modernes Musiktheater und kann auf dieses Angebot sehr stolz sein.“

In der Obsession des Spieles

PIQUE_DAME_08_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Vinuar Amuka über die Premiere von „Pique Dame“

Pique Dame versetzte mich von der ersten Minute an in Begeisterung.
Eine hervorragende Kostümierung im Stile Hollywoods der 50er Jahre verleiht der Oper eine frische und moderne Ausstrahlung, die von einer Leichtigkeit und einem höchst unterhaltsamen Wert geprägt ist.

Die Charakterzüge des Hermanns und der Lisa sind von vielerlei Aspekten gekennzeichnet.
Hermann ist ein Sonderling in der Handlung, wird stets zum Gespött in den Szenerien.
Zudem wird er Opfer des Zufalls, weil er sich unverhofft in die bereits verlobte Lisa verliebt, deren gesellschaftlicher Stand durch die wohlhabende Großmutter, die Gräfin, weit höher ist als der von Hermann.
Lisa fällt ebenfalls durch ihr sonderbares Erscheinen auf und verliebt sich in Hermann. Wird sie auf eine Zweckehe eingehen oder sich der Liebe hingeben?

Damit beginnt das Psychodrama in der Handlung.
Hermann möchte von der Gräfin das Geheimnis der Gewinnkarten erfahren, um Reichtum und gesellschaftliche Anerkennung zu erlangen.

Dabei handelt er weder authentisch noch realitätsnah. Die Liebe nimmt er ungewöhnlich anders wahr; sie macht krank und vergiftet ihn.

In der Obsession des Spieles, vom Geist der Gräfin umnebelt, verspielt Hermann im wahrsten Sinne des Wortes sein Glück und damit seine Liebe.

Die lebhafte zeitgenössische Inszenierung und die spektakuläre Kostümierung überspielen, wie ich finde, die wirkliche Tragik der Handlung. Demgemäß erweckte die Oper bei mir, einen milden, musikalisch hoch genüsslichen Eindruck, der mich bis zum Ende fesselte.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Vinuar Amuka
Sozialpädagogische Familienhelferin

Die 37 jährige Irakerin lebt seit ihrer Jugend in Deutschland und arbeitet als sozialpädagogische Familienhelferin. Sie hegt eine starke Begeisterung für Oper und Ballett. Um Inszenierungen besser bewerten und nachvollziehen zu können nimmt sie Gesangs- und Klavierunterricht. Als Scout erhofft sie sich die Oper noch intensiver zu erleben und wahrzunehmen. Sie findet, dass man in der Oper „vielem aus dem realen Leben begegnet, aber ganz anders damit umgeht“.

Eine mutige Herausforderung

SamsonDalila_PRESSE_15_FOTO_Jochen_Quast

Karolina Wais über die Premiere von „Samson et Dalila“

Ich habe mich mit der Oper „Samson et Dalila“ zuvor wenig beschäftigt und bin offenen Herzens in die Vorstellung gegangen. Von Anfang an wurde mir klar, dass die Oper an die heutige Zeit adaptiert wurde.
Ramona Zaharia hat als Dalila solch eine Bühnenpräsenz, dass Michael Weinius als Samson neben ihr etwas verblasst, ihm fehlt die Leidenschaft. Dadurch wird die Verführungskunst von Dalila aber noch mehr verdeutlicht. Ich überlege, ob dieser Effekt beabsichtigt ist, um die Zerrissenheit Samsons sich zwischen seinem Gott oder Dalila zu entscheiden, zu betonen.
An das Bühnenbild gewöhne ich mich erst ab dem zweiten Akt, es ist minimalistisch. Die Farben der Bühne werden durch die Beleuchtung perfekt unterstützt.
Wenn Joan Anton Rechie das Stück näher an die Erfahrungswerte des Publikums bringen wollte, dann denke ich, dass er auf keinen Fall wollte, dass dem Publikum seine Botschaft entgeht. Die Kostüme sind sehr plakativ in Szene gesetzt, das hebräische Volk trägt Arbeiterklamotten, die Philister Anzüge und Dalila ein enges Minikleid in Leopardenoptik mit kniehohen Stiefeln. Sein Publikum auf diese Weise herauszufordern, erfordert Mut und das gefällt mir.
Dem Düsseldorfer Symphonieorchester höre ich gerne zu. Als die Philister im dritten Akt ein ausgelassenes Fest feiern, werde ich als Zuschauerin mitgerissen, natürlich soweit es die Etikette in einer Oper zulässt.
Ramona Zaharia als Dalila, Simon Neal als der Oberpriester des Dagon, Sami Luttinen als ein alter Hebräer und der Chor stechen für mich gesanglich hervor.

Insgesamt schafft es Joan Anton Rechie, dass ich mich im Nachhinein mit der Oper beschäftige und mit Freunden und Bekannten über die religiösen und machtpolitischen Aspekte diskutiere.

Karolina_Wais

Karolina Wais
Steuerfachangestellte bei Selas Wärmetechnik GmbH in Ratingen

Karolina Wais ist großer Schauspielfan und wagt sich nun mit Offenheit und großem Interesse an die Kunstform der Oper heran. Sie lässt sich gerne überraschen und geht deshalb als „unbeschriebenes Blatt“ in Inszenierungen und informiert sich erst im Nachhinein über die tatsächliche Handlung der Stücke.
Jetzt freut sie sich auf ihre erste Spielzeit als Scout und darauf die Kunstformen Oper und Ballett näher kennenzulernen.

Verworrene Inszenierung

SamsonDalila_PRESSE_05_FOTO_Jochen_Quast

Helma Kremer über die Premiere von „Samson et Dalila“

Von Camille Saint-Saëns kannte ich mehrere Werke, darunter Werke für Klavier und Violine sowie einige Sinfonien und den „Karneval der Tiere“. Aus der Oper „Samson et Dalila“ kannte ich lediglich die berühmte Arie „Mon coeur s’ouvre à ta voix“. Entsprechend hatte ich keinerlei Erwartungen und auch keine Vergleichsmöglichkeiten mit anderen Inszenierungen. Zunächst blieb ich verhalten und behielt bis in den II. Akt eine gewisse Distanz. Der Stoff konnte mich nicht wirklich packen und die Inszenierung mit Transfer in die Gegenwart erschien mir ziemlich verworren (Philister = Manager, Hebräer = Minenarbeiter/ Kumpel??, Philisterinnen = Prostituierte / Managerinnen). Als großer Fan werkgetreuer und historischer Inszenierungen, nicht nur bei der filmischen Umsetzung literarischer Werke, sondern auch auf der Bühne, ist es ohnehin schwer, mich mit zeitgenössischen Interpretationen zu begeistern – in dieser Hinsicht bin ich hoffnungslos konservativ. Das Bühnenbild erschien mir dagegen, zumindest im I. und II. Akt, wohltuend minimalistisch.

Die Sänger beindruckten mich jedoch von Beginn an: Luke Stoker als Abimélech gefiel mir so gut, dass ich Abimélechs frühen Tod außerordentlich bedauerte. Aber auch Michael Weinius sang sehr gut, ebenso Simon Neal als Oberpriester Dagon und Sami Luttinen als alter Hebräer. Ramona Zaharia war der Star des Abends: Nicht nur gesanglich überzeugte sie voll und ganz, sondern auch darstellerisch. Allerdings stand ihr Simon Neal kaum nach; seine Grausamkeit ließ einem das Blut in den Adern gefrieren. Dalilas Aufmachung erinnerte an die einer Mafiosi-Braut und da Samson mit seinem etwas spärlichen Haar und auch hinsichtlich Statur und Kostüm eine starke Ähnlichkeit mit Meat Loaf zeigte, erschienen die beiden mir als doch eher ungewöhnliches Paar. Dem wundervollen Gesang tat das allerdings keinen Abbruch.  Bei der berühmten Verführungs-Arie „Mon coeur s’ouvre à ta voix“, die ich bereits seit Kindertagen kenne, und als großer Fan von Maria Callas, gemeinsam mit anderen berühmten Callas-Arien Ende der 90er Jahre auf CD rauf und runter hörte, schmolz ich wie Samson dahin. Spätestens dann war das Eis gebrochen und auch der Stoff packte mich zunehmend. Seit dem Premieren-Besuch habe ich mir diese Arie mehrmals angehört, von Maria Callas über Jessye Norman bis zu Elina Garanca sah ich verschiedene Präsentationen auf Youtube. Und ich finde, dass Ramona Zaharias Vortrag mit in die Reihe der ganz Großen gehört.

Helma_Kremer

Helma Kremer
Leiterin „Market Development“ bei der Düsseldorf Tourismus GmbH

Helma Kremer arbeitete nach ihrem Studium an der Heinrich-Heine-Universität zunächst an der Universitäts- und Landesbibliothek Düsseldorf. Nach einem. Voluntariat im Bereich „Marketing/Presse“ beim Düsseldorfer Schauspielhaus übernahm sie 2006 den Bereich „Kulturmarketing“bei der Düsseldorf Marketing und Tourismus GmbH. Durch ihre Großeltern kam sie bereits als Kind mit der Oper in Kontakt, ihre erste Aufführung im Opernhaus war „Hänsel und Gretel“. Dennoch interessiert sie sich eigentlich eher fürs Ballett, als für die Oper. Sie freut sich in ihrer ersten Spielzeit als Opern- und Ballettscout auf die regelmäßigen Theaterbesuche

Eine musikalische Anästhesie

SamsonDalila_PRESSE_12_FOTO_Jochen_Quast

Markus Wendel über „Samson et Dalila“

Die vergangene Freundeskreispremiere von Saint-Saëns Oper „Samson et Dalila“ beginnt meinerseits mit leichter Irritation. Weite Teile der Zuschauerreihen sind unbesetzt, für eine Düsseldorfer Premiere ist das ungewöhnlich. Ich bin verwundert, denn musikalisch ist die Oper wirklich schön, mit großen Choranteilen und einer Arie die wahrscheinlich fast jeder schon einmal gehört hat. Im Vorfeld zur Aufführung habe ich die Oper zweimal komplett gehört und auch die öffentliche Probe ein paar Tage vor der Premiere besucht.

Bereits mit den ersten Takten zieht GMD Axel Kober mit seinem präzisen und zugleich sehr wohlklingenden Dirigat den größten Teil meiner Aufmerksamkeit auf die musikalische Seite dieses Liebesdramas, das ursprünglich als Oratorium komponiert wurde. Entsprechend ruhig ist die Oper und weitgehend ohne aufgeregte Momente.

Sängerisch hervorheben möchte ich Simon Neal in der Rolle des Oberpriesters. Stimmlich in Bestform und mit einer Spielfreude, die mir wirklich Spaß bereitet beim Zusehen. In Punkto Bühnenpräsenz und Rollenidentifikation ist er auf Augenhöhe mit seiner äußerst überzeugenden Wotan-Interpretation im aktuellen Düsseldorfer Ring. Dies gilt auch für seine gelungene Darstellung des Cardillac, die ich vor einigen Monaten in Gent sehen konnte.

Leider kann nach meinem Empfinden die neue Inszenierung dem musikalischen Part nur wenig Unterstützung zukommen lassen. Die Bilder sind für meinen Geschmack statisch und fad, die gesamte Umsetzung wirkt wenig ambitioniert. Aber auch dies ist sicherlich Geschmacksache. Während ich beispielsweise die aktuelle „Roméo et Juliette“-Produktion abgefeiert habe, wurde diese mitunter auch gänzlich anders wahrgenommen.

Im Ergebnis verbinden sich am heutigen Abend Szene und Musik zu einem Gemisch mit streckenweise stark narkotischer Wirkung. Erfreulicherweise ist die Anästhesie frei von Nebenwirkungen und ich beschließe den Abend mit freundlichem Applaus.

Jedem Musikliebhaber möchte ich diese Oper empfehlen. Gerne im Opernhaus in Düsseldorf. Und falls Sie es nicht schaffen, dann bei einem schönen Glas Rotwein im heimischen Wohnzimmer.

Markus_Wendel

Markus Wendel
Sachbearbeiter für Brand- und Katastrophenschutz

Markus Wendel ist schon seit langem Opernfan. Seine erste Begegnung mit Wagners „Götterdämmerung“ hatte er im Jahr 2003 im Düsseldorfer Opernhaus und war sehr begeistert.
Durch die vergangene Spielzeit als Opernscout haben sich sein „Horizont und Empfinden erweitert“. Überrascht war er davon, dass die Ballettinszenierungen 2018/19 ihn sogar mehr faszinierten als die Operninszenierungen.

Großartige Sänger, plumpe Rollenklischees

SamsonDalila_PRESSE_01_FOTO_Jochen_Quast

Charlotte Kaup über die Premiere von „Samson et Dalila“

Samson et Dalila – ein starker Auftakt mit einem beeindruckenden Chor, großartige Sänger, plumpe Rollenklischees und recht wenig Handlung und dann wiederum ein fantastisches Bühnenbild und liebevolle Details.
Als Opernneuling hat mich dieser Abend in vielen Momenten begeistert und in anderen wiederum etwas ratlos zurückgelassen.

Zunächst zur Musik: wie wundervoll, etwas so Schönes hier in Düsseldorf erleben zu dürfen!
Ich kannte die Oper zuvor nicht und mir kamen nur ein, zwei Passagen annähernd vertraut vor.
Auch habe ich die Musik nicht als so eingängig erlebt, dass mir einzelne Stücke besonders im Kopf geblieben sind. Beeindruckt hat mich viel mehr die Feinheit und Differenziertheit jedes einzelnen musikalischen Moments und die großartige Leistung der Solisten, des Orchesters und auch des Chors. Hervorzuheben ist sicherlich Ramona Zaharia als Dalila – eine einfach perfekte Besetzung!

In Gegensatz zu der, von mir auf zurückhaltende Art als sehr reichhaltig empfundenen Musik, stand allerdings die Inszenierung.
Bei dem Versuch, das im biblischen Zeitalter terminierte Material in die Jetztzeit zu holen, wurden betont stumpfe und plakative Rollenbilder bedient und undifferenziert flache Personengruppen ohne viel individuellen Rollencharakter erschaffen, die mit unterschiedlichen Mitteln Machtpositionen verteidigten. Das ganze nach dem Prinzip Schere, Stein, Papier.

Als Powerweapons gab es die Kombinationsmöglichkeiten Anzüge, Geld und Waffen, Spitzhacken und Gemeinschaftsgesänge oder Brüste, Kunstpelz und High Heels.
Zunächst machte mich das ziemlich ratlos und ich fand es beinahe frech, solche Rollenbilder auf einer Opernbühne präsentiert zu sehen.
Vielleicht war es aber genau dieser Gegensatz – die oberflächliche und auf überzeichneten Klischees basierende Schaffung von Personenkollektiven und die dezente, individuelle und vielschichtige Charakterisierung über die Musik – der wiederum irgendwie spannend war.

Was ich als besonders positiv hervorheben möchte, waren die Chorpassagen.
Neben der musikalischen Qualität und Bereicherung zu den solistischen Szenen, ergaben sich auch durch die Quantität und Komposition der Akteure sehr abwechslungsreiche visuelle Eindrücke.
Mal eher begleitend im Hintergrund, beinahe mit dem Bühnenbild verschmelzend und mal zentral den gesamten Raum einnehmend, wurden beeindruckende Bilder kreiert.

Alles in allem lässt sich über die Inszenierung sicherlich streiten, aber wenn man es hält wie einer der mich umgebenden Zuschauer, der murmelte „Augen zu, Ohren auf“, ist der Abend in jedem Fall ein Genuss!

Charlotte_Kaup

Charlotte Kaup
Ärztin in der Radiologie

Vor kurzem hat die junge Ärztin eine Stelle in Mönchen Gladbach angetreten. Vorher arbeitete sie einige Jahre als Ballettlehrerin beim Hochschulsport. Sie ist Regelmäßige Besucherin der Ballettinszenierungen der Deutschen Oper am Rhein und ist sehr begeistert von der Vielfalt des Repertoires.
Bezüglich der Oper ist sie ein Neuling, möchte dies aber gerne ändern und freut sich deshalb auf ihre Zeit als Scout und die Möglichkeit sich mit Opernliebhabern austauschen zu können.

Ein geglücktes musikalisches Erlebnis mit einer etwas unpassenden Szenerie

SamsonDalila_PRESSE_07_FOTO_Jochen_Quast

Hubert Kolb über die Premiere von „Samson et Dalila“

Ich erwartete ein langweiliges Oratorium mit einigen schönen Solopartien. Stattdessen gab es ein spannendes dynamisches Auf und Ab mit herrlichen Stimmen und perfektem Zusammenklang mit dem Orchester (Axel Kober sei Dank!). Die Musik war gefällig, aber auch ein Genuss.
Die Ausstrahlung von Ramona Zaharia als Dalila und die Klangfarbe ihrer Stimme waren eindrucksvoll, der Wagnersänger Michael Weinius war ein Gegenpart auf Augenhöhe, wenn auch Kostüm, Haarpracht und körperliche Kraft-Wirkung nicht ganz dem Bild des Samson entsprachen. Dazu war der Chor, wie meist, eine Ohrenweide.
Die Übertragung der Handlung in ein Bergwerk mit Ausbeutern im Business-Anzug und Maschinenpistole war ganz erfrischend, kam aber oft über zum Teil peinliche Klischees nicht hinaus. Der religiös ausgerichtete Text passte dann meist nicht.

Fazit: Ein sehr schönes und spannendes musikalisches Erlebnis mit meist überzeugender Personenregie, aber mit einer etwas oberflächlichen Übersetzung der Handlung in ein Arbeiter–Ausbeuter Szenarium, vermutlich in der Dritten Welt anzusiedeln.

Kolb_Hubert_Foto_Andreas_Endermann

Dr. Hubert Kolb
Professor für Immunologie/Diabetologie im Ruhestand

Als Biologe und Immunologe hat Hubert Kolb am Deutschen Diabetes-Zentrum Düsseldorf zu Mechanismen und Therapien des Kinder- und des Erwachsenendiabetes geforscht und gearbeitet. Vorsorge und Umgang mit der Krankheit beschäftigen ihn auch noch im Ruhestand. Den Weg zur Oper fand Hubert Kolb im Studium in München – eine „Zauberflöte“ in Spitzenbesetzung begeisterte ihn nachhaltig. Mittlerweile findet er genügend Zeit, die Oper regelmäßig zu besuchen und Vieles neu kennen zu lernen. Auch das Ballett am Rhein, das ihm unter Martin Schläpfer unerwartet gut gefällt.

Femme Fatale spielt Samson und Israel an die Wand

SamsonDalila_PRESSE_14_FOTO_Jochen_Quast

Sandra Christmann über die Premiere von „Samson et Dalila“

Auf den Punkt muss der erste Moment, das erste Bild, der erste Eindruck sitzen, um uns den Einstieg in alles Folgende zu erlauben und dazu gehört nun mal natürlich das was wir hören, aber meines Erachtens nach noch mehr was wir sehen.

Den Bühnenbildern verfallen, freue ich mich, dass Gabriel Insignares mit einer architektonisch ästhetischen Gestaltung diesen ersten Moment gebührend ermöglicht, verschönt. Kein Geschnörkel, nichts Verschlungenes, übersichtliche klare Ebenen, zeitlos, dennoch dem modernen Design verpflichtet. Die Materialien und die Ebenen sind variantenreich und pur. Gefällt mir sehr! Perfekt für alle drei Akte kreiert.

Der „Aufzug“ (großes Bühnen-Detail als Klammer zu Beginn und gegen Ende der Oper) der „Bergarbeiter“ und somit das Intro (auch) des Chors sind beeindruckend und überhaupt überzeugt der Chor durchweg, unabhängig der Kostümierungen, mit einem satten, perfekten, wunderschönen Gesang.

Ich bin ja auch mittlerweile ein Fan von Axel Kober. Da weite Strecken dieser Oper ohne gesangliche Ergänzung passierten, fiel die Musik noch mehr ins Gewicht und war durchgehend einnehmend. Schön.

Ramona Zaharia

…Wo soll ich da anfangen? Ich hörte sie singt jetzt die Carmen in New York, ich werde ihr wohl nachreisen und ein Groupie werden.

Ich habe das erst einmal erlebt, dass eine Frau die Bühne betretend, sich das Publikum, das Orchester, die Bühne, die Mitspieler, wie eine Gottesanbeterin einverleibt. Das war vor einem Jahr Linda Watson in meinem ersten Wagnermarathon.

Zaharia auf ihre Art, mit ihrer Stimme, ihrer Schönheit, Ihrer Kraft, und dann noch einmal mit der Kraft ihrer Stimme und ihres schauspielerischen Talentes fängt uns alle ein. Wir haben keine Chance Blick oder Ohr abzuwenden. Samson hat keine Chance, die eigentliche historische Grundlage ihres Handelns hat keine. Die scheinen nur Beiwerk.

Sie fesselt uns (und Samson), und dann sind auch all die überspitzten Klischees der Bergarbeiter, Prostituierten und Anzugträger kein zu kritisierendes Inszenierungsmittel mehr, was soll’s? Wir haben ja sie.

Fazit: Sie ist grandios. Eine Grand Dame der Oper.

Insgesamt ist die musikalische und gesangliche Leistung sehr gelungen und es zeichnen sich einige Talente heraus, Sami Luttinen noch namentlich genannt! Eine hörens- und sehenswerte Inszenierung.

Sandra_Christmann

Sandra Christmann
Head of Strategic Alliances

Sandra Christmann liebt Düsseldorf und die Kunst. Sie engagiert sich bei ArtFair Internantional GmbH. Strategische Allianzen sind ihr Kernthema. Für die Kunst pflegt sie zahlreiche Kontakte, um mit Partnern aus Wirtschaft, Industrie, Handel und Medien innovative Formate und Kooperationskonzepte zu entwickeln. Neben ihrer Arbeit engagiert sie sich für diverse Hilfsprojekte.
Sie liebt das Ballett und besuchte „just for fun“ manchmal die Oper, nun will sie „auch nach ihrer Zeit als Opernscout der Oper treu bleiben“.

Musikalischer Genuss mit eindrucksvollen Stimmen

SamsonDalila_PRESSE_01a_FOTO_Jochen_Quast

Sassa von Roehl über die Premiere von „Samson et Dalila“

Etwas aufgeregt saß ich in der ersten Premiere meiner Zeit als Opernscout im Zuschauersaal und wurde schon gleich zu Beginn vom oratorienhaften Gesang des Chors und  der mystischen Atmosphäre düsterer Rauchschwaden in den Bann von Saint-Saens Oper Samson et Dalila gezogen. Die Chor-Sänger kamen als Hebräer und versklavte Bergarbeiter mit Stirnlampen langsam von „unter Tage“ auf die Bühne. Doch schnell erhellte sich die Szene und zeigte durchgängig ein für mich eher nichtssagendes Bühnenbild. Die Stimmung wechselte zum aggressiven Kampf gegen die als geldgierige Manager gezeigten Philister, von denen der Held Samson die Unterdrückten befreit. Die schöne Philisterin Dalila umgarnt Samson, der auf ihre Verführungskünste hereinfällt und ihr das Geheimnis seiner Kraft verrät. Im Sinne eines modernen Frauenbildes hätte ich mir Dalila als starke, unabhängige Priesterin gewünscht und nicht als Prostituierte im Glitzerfummel und Highheels. Ihr übertriebenes Outfit empfand ich eher nervig als passend. Es stand für mich beinah im Gegensatz zur beeindruckenden Stimme Ramona Zaharias. Ähnlich bei Michael Weinius, bei dessen  „Delila – je t´aime“ ich dahinschmolz, solange ich die Augen schloss. Für meinen – zugeben etwas romantischen – Geschmack hätten Samson dicke, schwarze Haarlocken zieren können, wo doch all seine Kraft genau darin liegt.  Wenigstens ein Hemd statt eines ausgeleierte T-Shirts  hätte ihm gut zu Gesicht gestanden, um seiner aufgetakelten Gegenspielerin äußerlich halbwegs ebenbürtig zu sein. Für mich wurde der Gegensatz Arm gegen Reich zu eindimensional und plakativ dargestellt. Die Inszenierung bemüht dabei viele Klischees, die Themen Geld und Bestechung wurden reichlich überstrapaziert.

Die Saint-Saëns Oper war für mich ein musikalischer Genuss mit eindrucksvollen Stimmen, aber als Kapitalismuskritik weniger geeignet.

Sassa_von_Roehl

Dr. Sassa von Roehl
Social Campaining / Dozentin an der Heinrich-Heine-Universität

Dr. Sassa von Roehl engagiert sich für Zivilcourage und berät Gemeinnützige Projekte im Bereich PR. Als kulturinteressierte besucht sie oft das Theater Duisburg. Sie ist großer Martin Schläpfer Fan, im Bereich Oper allerdings eher ein „interessierter Neuling“. Gespannt startet sie nun in ihre erste Spielzeit als Scout für Oper und Ballett in Düsseldorf.

“…nicht von der Stange” – ein gelungener Saisonauftakt

SamsonDalila_PRESSE_09_FOTO_Jochen_Quast

Michael Langenberger über die Premiere von „Samson et Dalila“

Die Düsseldorfer Inszenierung schließt, wenn man so will, an die verwirrende Entwicklungsgeschichte dieses Werkes an. War es von Saint-Saëns ursprünglich doch gar nicht als Opernwerk geplant. Und wer hätte gedacht, dass die Uraufführung in Weimar und dann auch noch in deutscher Sprache war? Ein ziemliches Durcheinander. Genau hierzu passen die erheblich überzeichneten Rollenbilder in der Düsseldorfer Inszenierung. Die z. T. weit über das platte Klischee hinaus gespielten Rollen, machen das Stück nicht nur lebendig und abwechslungsreich. Es bietet auch genügend Ansatzpunkte sich nach der Aufführung mit den verschiedenen Blickwinkeln und deren Bezug auf unser heutiges Leben auseinanderzusetzen.

Doch im Opernsessel, Vorort und live ist es ein Genuss, wie einem mit Bildern und Klang ein Schauspiel dargeboten, wenn Tonkunst nicht nur als perfekt gespielte und gesungene Musik verstanden wird. Besonders beeindruckend, wie der Chor unsichtbar, seitlich hinter der Bühne stehend die Breite der Bühne um viele Meter vergrößert.
Der Chor aus dem Off, einige unglaublich gefühlvoll gespielte Bläserpassagen lassen mein Musik-Herz genauso höher schlagen, wie die kraftvollen, monumental gespielten Einsätze der Düsseldorfer Symphoniker. Es war schön, zu sehen, wie Axel Kober seinen Spaß dabei hatte, Orchester, Chor und Solisten, so gut es nur geht in Szene zu setzen.

Womit wir dann bei Romana Zaharia, der Dalila wären. Ich hätte keine Idee, was sie hätte besser machen können. Wann bekommt man schon mal zauberhaften Gesang mit einer großartigen schauspielerischen Leistung, bei wahrhaftig ganzem Körpereinsatz, geboten? War Dalila auf der Bühne, schien sie mit ihrer Präsenz alle anderen zu erdrücken; schien Samson eher schwach. Was er m. E. überhaupt nicht war. Doch genau solche, unausgesprochenen Erwartung des Zuschauers (z. B. Männerstimme müsste kraftvoller als eine Frauenstimme sein), korrelieren mit den eingangs erwähnten Überzeichnungen der Rollenbilder.

Da passt eins ins andere. Ein wirklich gelungener Auftakt der neuen Spielzeit.

 

Michael_Langenberger

Michael Langenberger
Wirtschaftsmediator und Coach
Michael Langenberger arbeitet freiberuflich als Wirtschafsmediator und Führungskräftecoach in Haan. Musik und Tanz spielen eine große Rolle in seinem Leben: Er spielt Klavier, sang im Chor und tanzt Standard, Latein, Salsa und Modern Contemporary. Er liebt die Vielfalt des kreativen Ausdrucks – sei es als Geschichtenerzähler, Musiker, Tänzer oder Opernscout – und macht sich diese auch im beruflichen Kontext zu Nutze. Bei der Bewertungen von Inszenierung versteht er sich nicht als „visuellen“ sondern als „akustischen Menschen“.

Liebe, Verrat, Spielsucht und dekadente Gesellschaften

PIQUE_DAME_01_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Dagmar Ohlwein über die Premiere von „Pique Dame“

Pique Dame von Peter Iljitsch Tschaikowsky war bis zum Besuch der Duisburger Premieren Aufführung ein mir völlig unbekanntes Werk des russischen Komponisten. Ich war gespannt, wie sich eine russisch gesungene Oper anhört. Die Ankündigung dieses am 19. Dezember 1890 uraufgeführte Werk in einer in das Hollywood der 50er Jahre Inszenierung auf der Bühne zu sehen, machte mich neugierig, auch ein wenig skeptisch.
Das großartige Bühnenbild, hervorragende Protagonisten, der Kinderchor und die Duisburger Philharmoniker  begeisterten mich dann aber von der ersten Minute an. Die großartige schauspielerische Darstellung der Rolle des Hermanns durch Sergej Khomov mit einer fantastischen Stimme überzeugte mich. Natalya Muradymova als Lisa, die erst durch ihre Liebe zu Hermann aufblühte, spielte und sang diese Rolle mit großer Sensibilität und Überzeugungskraft. Ihr Spiel hallte noch lange nach, wie die gesamte Handlung der Oper über Liebe, Verrat, Spielsucht und dekadente Gesellschaften. Die Aufführung dauert 3 Stunden, mit einer Pause nach etwa zwei Drittel des Werkes. Ich war bis zum Schluss gefesselt. Pique Dame lohnt sich zu sehen, eventuell sogar ein 2. Mal. Die Intensität, der Ideenreichtum bei der Umsetzung des Themas in dieser Opern-Inszenierung von Lydia Steier ist meiner Meinung nach gelungen.

Dagmar_Ohlwein

Dagmar Ohlwein
Rentnerin

Die Physiotherapeutin ist gerade im Ruhestand angekommen und widmet nun einen großen Teil ihrer Zeit der Kultur. Das heißt für sie regelmäßig diverse Kulturangebote warzunehmen. Als Jugendliche hat sie „direkt um die Ecke“ vom Theater Duisburg gelebt und so schon immer viel Kontakt zur Kunst gehabt. Sie ist sehr gespannt auf ihr erstes Jahr als Duisburger Opern- und Ballettscout und freut sich auf die Saison 2019/20.

Eine Facettenreiche Inszenierung

PIQUE_DAME_09_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Annette Hausmann über die Premiere von „Pique Dame“

Wer es als Opernliebhaber bunt, schrill, opulent und zugleich skurril-tiefgründig mag, der ist in der Operninszenierung „Pique Dame“ von Lydia Steier genau richtig. In Anlehnung an Tschaikowskys Idee, der als Grenzgänger seiner Zeit die Oper 1890 komponierte, aber diese in der glorifizierten Zarenzeit des 18. Jahrhunderts spielen lässt, verlegt Lydia Steier ihre Inszenierung in das für uns scheinbar präsente Hollywood der 50er Jahre. Gleich zu Beginn eröffnet sich dem Zuschauer ein Bühnenbild, das all unseren heutigen Vorurteilen und Vorstellungen von der damaligen party- und schauspielbegeisterten Hollywoodgesellschaft standhält.
Die opulente Bühnenkulisse und die vielen aufwändig sowie bunt kostümierten Statisten und Sänger waren für mich anfänglich eine absolute Reizüberflutung, sodass ich einige Zeit benötigte, mich auf dieses russische „Opernspektakel“ einzulassen.

Durch die gezielte Präsenz der drei Protagonisten – Lisa, die alte Gräfin („Pique Dame“) und Hermann – gelang es Lydia Steier auf geniale Weise, der dekadenten Gesellschaft nur so viel (Spiel-)Raum wie nötig zu geben, wodurch die Handlung nicht ins Lächerliche „abdriftete“. Nachhaltig beeindruckt haben mich die russische Gastsängerin Natalia Muradymova als Lisa und Sergej Khomov als Hermann. Beide spielten ihre Außenseiterrolle nicht nur überzeugend, sondern vollbrachten auch gesanglich meisterhafte Leistungen. Lisa, anfänglich die unsichere, unglückliche, unselbstbewusste und eher unattraktive Enkelin der alten Gräfin entwickelte sich im Verlauf der Oper zu einer ausdrucks- und willensstarken Frau, die eine Art Metaebene betritt und als einzige den unaufhaltsamen, dramatischen Verlauf der Dinge realistisch erkennt. Sergej Kkomov, der zurecht als Charaktertenor bezeichnet wird, nahm „sein“ Publikum als linkischer Held im „Woody-Allen-Look“ regelrecht mit auf (s)eine Verwandlungsreise. Als einfacher Offizier stürzt er sich aufgrund seines Verlangens nach Geld, Anerkennung und einer Liebe, die für ihn unerreichbar zu sein scheint, ins Verderben. Anfänglich schleichend, doch zeitgleich mit dem Tod der Gräfin und der ins Spiel kommenden magischen drei Gewinnkarten werde ich plötzlich als Zuschauer mit einer unbändigen Wucht Teil seiner Zerrissenheit, seines zunehmenden Wahnsinns und der daraus erwachsenden Psychose. Durch die facettenreiche Inszenierung und die genial gestaltete Bühnenkulisse von Bärbl Hohmann ist eine exakte Trennung zwischen Realität und Hermanns Halluzinationen zeitweise kaum möglich. Besonders eindrucksvoll fand ich nach der Pause die Hebebrücke in Verbindung mit einem eher finster gestalteten und Kälte verströmenden Bühnenbild. Während die Brücke den Übergang vom Leben zum Tod, von der  Realität zum Wahnsinn und von der Liebe zur Einsamkeit symbolisierte, diente der gesamte Bühnenraum auf recht skurrile Weise einerseits der aufstrebenden, aber dem Glücksspiel verfallenen Gesellschaft, andererseits den Todesszenen als Schauplatz.

Passender hätte Tschaikowsky seine Musik zur Handlung der Oper, in der seine eigene gesellschaftliche Zerrissenheit und sein Hang zum Rokoko zum Tragen kommen, nicht komponieren können. Unter der Leitung des Dirigenten Aziz Shokhakimov gelang den Duisburger Philharmonikern und den Sängern die Umsetzung dieser Vielschichtigkeit auf wunderbare Weise.

Mein Fazit: „Pique Dame!“ ist eine äußerst sehenswerte, kurzweilige Oper, die voller Esprit und Überraschungen steckt.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Annette Hausmann
Grundschullehrerin

Annette Hausmann unterrichtet an einer Montessori-Grundschule in Duisburg-Bissingheim, die sie selbst mit aufgebaut hat. Ihre große Verbundenheit zum Theater hat sie ermuntert, am Projekt „erlebte Oper … erlebter Tanz“ teilzunehmen. Der Austausch zwischen den Opernscouts schaffe „eine andere Wahrnehmung von Oper und Ballett“. In ihrer ersten Spielzeit begeistert sie ganz besonders  Martin Schläpfers Ballett „Schwanensee“: „Mit seiner Kraft und Ausdrucksstärke war es eine der genialsten Vorstellungen meines Lebens“.

Tschaikowsky meets Hugh Hefner

PIQUE_DAME_10_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Myriam Kasten über die Premiere von „Pique Dame“

Wenn ich Tschaikowsky höre, denke ich an „Schwanensee“, „Dornröschen“ oder den „Nussknacker“. Von der Oper „Pique Dame“ hatte ich noch nie etwas gehört und bin dementsprechend ohne Erwartungen aber voller Vorfreude ins Theater gegangen. Die Musik von Tschaikowsky hat mir schon als Kind immer sehr gefallen. Der Vorhang öffnet sich, die Bühne ist rappelvoll und bunt. Es sind so viele kleine Szenen in der Szene, dass ich die ersten Minuten komplett vergesse, dass es ja Text gibt, den man mitlesen sollte. Der Gesang ist in den ersten Minuten etwas dünn, steigert sich aber nach kurzer Zeit und ist über den Rest des Abends sehr stark. Die Reizüberflutung der ersten Szene geht jedoch immer wieder weiter und zur Pause bin ich schwer überfordert und denke nur: was für ein harter Tobak. Im letzten Akt treffen dann noch Playboy-Bunnys auf „The Walking Dead“ und ich bin vollends verwirrt. Die Musik, die ich eigentlich ja sehr mag, ist total in den Hintergrund gerückt. Zum Teil habe ich sie gar nicht wahrgenommen. Auch wenige Tage nach der Vorstellung kann ich nicht genau, sagen ob sie mir nun gefallen hat oder nicht.

 

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Myriam Kasten
Projektmanagerin Tourismus bei Duisburg Kontor GmbH

Die gelernte Fotografin hat die Liebe zu ihrer Heimatstadt zum Beruf gemacht: Als Projektmanagerin im Bereich Tourismus gibt sie ihre eigene Begeisterung für die Stadt an Besuchergruppen weiter. Für sie ist das Theater Duisburg einer der großen Anziehungspunkte der Stadt. Als großer Ballettfan hat sie Martin Schläpfers „Schwanensee“ in der Spielzeit 2018/19 positiv überrascht und die „Götterdämmerung“ in der Mercatorhalle vollkommen begeistert.

Bewegend, klug und zeitgemäß inszenierte Oper

Isabel Fedrizzi über die Premiere von „Pique Dame“

PIQUE_DAME_15_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Tschaikowskys Oper „Pique Dame“ erlebte ihre Uraufführung im  Dezember 1890 in St. Petersburg. Die Geschichte beruht auf der gleichnamigen Novelle von Alexander Puschkin, in der schonungslose Charakterstudien und Gesellschaftskritik vor dem Hintergrund einer Welt aufeinandertreffen, in der sich Traum, Mystik und Realität miteinander vermischen. In Duisburg feierte jetzt die von Lydia Steier bewegend, klug und zeitgemäß inszenierte Oper ihre Premiere. Was die drei Stunden auf der Bühne  vordergründig schon so beeindruckend macht, ist die üppige Ausstattung: mehrere aufwendige Bühnenbilder (mit Pool, schwenkbarer Brücke, Bühne etc.), geradezu verschwenderische Kostüme von Rokoko-Pracht bis zum Petticoatstil der 50er Jahre, ein großes Ensemble auf der Bühne (Sänger, Opernchöre und Kinderchor) und eine ganze Sammlung von Requisiten.

All diese Staffage ist nur Blendwerk und Zeugnis von Oberflächlichkeit und menschlicher Leere, denn in ihr spielt sich die eigentliche Tragödie ab: um unechte Liebe, krankhafte Spielleidenschaft, Gier und Neid sowie Lug und Trug. Ein Stoff, zu dem Peter Tschaikowsky erst durch die Libretto-Fassung seines Bruders Modest einen Zugang fand. Tatsächlich ist auch hier und heute der Zugang zu dieser etwas verworrenen Oper ein wenig mühevoll – aber am Ende sehr lohnend. Manch ein dramaturgischer Fingerzeig oder inszeniertes Gedankenkonstrukt mag sich beim einmaligen Sehen nicht gleich erschließen, aber immer ist Tschaikowskys Musik der akustische Helfer, um die verschiedenen zeitlichen und inhaltlichen Ebenen des Stoffes eben nicht restlos verstehen zu wollen, sondern in ihrer Abfolge auf sich wirken zu lassen. Meist zeichnet sie innere Seelenzustände nach, Hermanns Gier und Falschheit, Lisas Ängste, Polinas Hohn und Spott usw; ein wenig fühlt man sich wie ein Zeuge einer opulenten Soap…

Sergej Khomov  gab einen meisterlichen Hermann ab: mit psychologischem Tiefgang, innerlich zerrissen und stimmlich ausbalanciert. Natalya Muradymova verkörperte wunderbar eine wenig selbstbewusste, beeinflussbare und später gebrochene Lisa – mit glanzvoller Stimme. Die Gräfin umwehte so gar nichts Geheimnisvolles, verschroben vielleicht und etwas weltfremd, aber auch hier eine stimmliche Bestbesetzung.

Die Duisburger Philharmoniker machen die Hälfte dieses ganzen Panoramas aus: Heiterkeit in den Chören, manchmal ein sanfter Mozart-Ton, eine ausgewogene Tempowahl und fein phrasierte Linien. Kein ganz leichter Einstieg in die Welt der Oper, aber unbedingt wert, sie anzusehen!

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Isabel Fedrizzi
Musikjournalistin

Die studierte Musik- und Kommunikationswissenschaftlerin arbeitet „auf kleiner Flamme“ als Musikjournalistin, u. a. für den Düsseldorfer Verlag „Staccato“. Im Hauptberuf ist sie Mutter zweier schulpflichtiger Töchter, in ihrer Freizeit begeistert sie sich für das Kulturangebot der Deutschen Oper am Rhein. Nach den Premieren schätzt sie die Gespräche mit den anderen Scouts, die den eigenen Blickwinkel erweitern.

Eine Oper in drei Akten und sieben (Wimmel-)Bildern

PIQUE_DAME_02_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Moritz Besel über die Premiere von „Pique Dame“

Wo guckt man zuerst hin, auf die Bühne, die Übertitel oder hört man doch einfach der Musik zu – das fragt man sich zu Beginn der Oper „Pique Dame“ von Tschaikowsky in der Inszenierung von Lydia Steier. Wimmelbildartig passiert so viel auf der Bühne, dass man das Stück wahrscheinlich mehrfach sehen kann und immer etwas Neues entdeckt.
Wir sind im Hollywood der 50er Jahre, der „guten alten Zeit“, in der man alles kann und nichts muss. Wo das Gesehenwerden zur Hauptmaxime erklärt wurde. Schon Tschaikowsky setzte die Oper seiner Zeit zurück an einen Fantasieort mit Rokoko-Elementen.
Besonders interessant war der Bruch des Bühnenbildes nach der Pause. War man das Opulente schon gewohnt und in Erwartung, fand man nun eine dunkle zweigeteilte Bühne mit einer in Nebel getauchten Hebebrücke vor. Vorne haderte Hermann, während im Hintergrund das Jenseits und seine nicht enden wollenden Erinnerungen prozessierten, um im Anschluss durch die Brücke verbunden zu werden. So wird dem Geist der Gräfin ermöglicht, ihm doch das Geheimnis der Karten zu verraten, und Hermanns Wahnvorstellungen gewinnen die Überhand.

 

 

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Moritz Besel
Inhaber ,,Der Farbklecks – Einrahmungen, Künstlerbedarf, Geschenke‘‘

Seit nunmehr zwölf Jahren arbeitet Moritz Besel im „Farbklecks“, der Duisburger Adresse für Künstlerbedarf und Einrahmungen. Nebenbei studierte er Medien- und Kommunikations­management. Seit 1. Januar 2018 ist er dessen Inhaber. Berührung mit dem Theater hatte Moritz Besel schon früh durch seinen Onkel Rainer Besel, Gründer des Duisburger Theaters „kreuz & quer“.

Sein erstes Jahr als Opernscout hat sein Interesse an der weiter Oper verstärkt, insbesondere Verdis „Otello“ begeisterte ihn.

Auf der Fahrt des Lebens in den Tod

PIQUE_DAME_05_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Christiane Hain über die Premiere von „Pique Dame“

Eines des letzten Werke von Tschaikowsky und die in Deutschland sehr wenig bekannte Oper beeindruckt mit einer abgestimmten Verbindung zwischen einem Musikerlebnis, einem Drama über Leidenschaft, Liebe, Gier, Verzweiflung, Zerrissenheit, Außenseitertum und Tod sowie opulenten Bühnenbildern.
Von den beeindruckenden Darstellern bleiben mir persönlich die beiden Hauptdarsteller von Lisa und Hermann in Erinnerung. Sie überzeugen beide in der Darstellung der Außenseiterposition. Alleine wirken sie sehr schwach und unscheinbar. Dies wird auch durch die Kostüme – Lisa trägt ein sehr unvorteilhaftes Kleid und Herrmann einen braunen Cord-Anzug – betont. Je näher sich die beiden Personen kennen und lieben lernen, desto stärker werden sie zusammen in ihrer Persönlichkeit, an Kraft und auch in der Ausstrahlung.
Die Regisseurin Lydia Steier holt die Handlung, die ursprünglich in der Zeit Katharina der Großen spielt, in die Gegenwart und platziert diese in die 50er Jahre von Hollywood. Auf der Fahrt des Lebens in den Tod erlebt der Zuschauer eine opulente, ausgelassene Poolparty, einen Maskenball mit Rokoko-Aufführung und zum Schluss eine einfach ausgestattete Bühne mit einem Bett und einer Brücke zum Tod.
Tschaikowskys Musik untermalt diese Entwicklung sehr gelungen und facettenreich, hervorragend gespielt von dem Orchester und gesungen von den Solisten und dem Chor der Deutschen Oper am Rhein.
Die Adaption in die heutige Zeit gelingt meiner Meinung nach sehr gut und als Zuschauer ist man von der 1. Sekunde an gefangen von dem sich abzeichnenden Drama.
FAZIT: Absolut empfehlenswert! Unbedingt anschauen und sich faszinieren lassen.

Duisburg, Opernscouts
© Norbert Prümen

Christiane Hain
Application Managerin

Christiane Hain arbeitet im IT-Bereich einer Bank in Düsseldorf. Sie ist in der Neckarstraße Duisburg aufgewachsen – in Sichtweise des Theaters, das ein fester Bestandteil im Familienleben war: Die Großmutter, die Eltern, die Schwester und sie selbst – alle waren regelmäßige Theaterbesucher. Ihre Tätigkeit als Opernscout führt dazu, dass sie wieder bewusster ins Theater geht und die Aufführungen als einen wichtigen Ausgleich zum Berufsleben betrachtet.

 

Der ganz normale Wahnsinn

PIQUE_DAME_Presse_07_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Benedikt Stahl über die Premiere von „Pique Dame“

Für diesen kurzen Beitrag überlasse ich die Zusammenfassung der Handlung den Opernführern.
Nur soviel: es geht um Leben und Tod, Verzweiflung, Liebe, Eifersucht, Gier, Glück, Betrug, Enttäuschung, Lust und Leidenschaft. Der ganz normale Wahnsinn also.

Tschaikowski malt für diesen Rausch die facettenreichsten Bilder. Durchdringend, gewaltig, tiefgehend, schön. Alle Sänger und Musiker geben ihr bestes. Wunderbar! Für mich, als Hobbykoch, bleibt da kein Wunsch übrig.
Die Bühne ist fantastisch! Das ist kein Bühnenbild, das ist Bühnenraum! Bärbl Hohmann bespielt mit ihren Ideen die ganze Klaviatur der Raumkunst. Von opulenter Überfülle bis zum beinahe Nichts gelingt ihr ein großer Wurf! Dazu das Licht, gestaltet von Stefan Bolliger, der schon die Maria Stuarda so grandios in Szene gesetzt hat, einfach genial! Die beiden muss man sich merken!
Von den durchgängig sehr guten Darstellern bleiben mir persönlich zwei Personen in besonderer Erinnerung. Hermann, die zentrale Figur im Stück, stark gespielt und gesungen von Sergey Polyakov. Irgendwie eine Art ungepflegter „Nerd“, ein Außenseiter, der sowohl in seiner äußeren Erscheinung wie auch in seinem ganzen Habitus eine Sonderrolle einnimmt. Der Getriebene ist in seiner besinnungslosen Verliebtheit in die etwas dümmlich scheinende Lisa vollkommen außer sich. Zutiefst erschrocken über die unzähmbare Kraft seiner Liebesgier, rast er unaufhaltsam dem Abgrund entgegen. Man ahnt, dass es die Verzweiflung des Komponisten selbst sein muss, die dieser Figur ihre außerordentliche Kraft gibt.
Dann die Gräfin, die Gralshüterin. Vom ersten Moment an wird klar, dass nur sie das große Geheimnis kennt, dass nur sie wirklich etwas versteht von Liebe, Freiheit und Leidenschaft. Hanna Schwarz zeigt mit ihrer wunderbaren Stimme und jeder noch so kleinen Geste die Tiefgründigkeit dieser Figur. Kein Wunder, dass die eigentliche Liebe – nicht das Verliebtsein – zwischen diesen beiden spielt.

Unvergesslich! Riesenapplaus! Reingehen!

Stahl_Benedikt_Foto2_Andreas_EndermannBenedikt Stahl
Architekt und Professor an der Alanus Hochschule

Als selbständiger Architekt und Partner im Düsseldorfer Atelier Fritschi & Stahl hat Benedikt Stahl eine große Nähe zur Kunst: Was macht Stadtraum, was macht die Choreographie, die Dramatik der Räume aus? Zur Oper ist es da nicht weit: Wie Bild, Musik und Darstellung hier zusammen wirken, fasziniert ihn. Als interdisziplinär denkender Grenzgänger ist er auch an der Alanus Hochschule Bonn-Alfter tätig: Was  Architektur mit Schauspiel, Wirtschaft mit Kunst zu hat – diese Fragestellungen interessieren ihn auch in der Lehre. Nicht nur die Oberfläche, sondern die spannenden Zusammenhänge will er nun als Scout für Oper und Ballett entdecken.

Die Oppulenz des großen Gatsbys

PIQUE_DAME_Presse_02_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Sandra Christmann über die Premiere von „Pique Dame“

Bämm, schon das Opening der 50er Jahre Kostüme geht so extrem in Vorkasse, dass  nichts folgen könnte, was diese Impression schwächt. Aber sie kann gesteigert werden und das wird sie. Ich muss das hier jetzt mal sagen: Was für sensationelle, perfektionistische Kreationen und Choreografie der Kostüme.

Oppulent, dekadent, commedia dell’arte at it’s best – ein großes Kompliment an Ursula Kudrna! Genrewechsel, epochengetreu und so großartig interpretiert.
Es ist nicht zu toppen. Jedes Detail, inklusive Maske, jedes Accessoire – ist perfekt und macht Spaß – ein Augenfest! Jeder Kostümwechsel und dessen Inszenierung erinnert an die Oppulenz des großen Gatsbys.

Und dann das Bühnenbild. Spontan erinnert es an den nordischen Pavillon in den Guardini auf der Biennale in Venedig und an die Jeff Walls „Morning Cleaning“ des Mies van der Rohe Baus – und so sieht es aus – wie ein Mies van der Rohe Entwurf. Großartig. Mit dem Pool in der Mitte. Chapeau Bärbl Homann.
Kostüme und Bühnebild sind für mich eine Eins mit Sternchen.

Dass ich eher der visuelle Typ bin, zeigt sich darin, dass ich Stunden über Kostüme und Bühne schreiben könnte und in diesem Fall die Inszenierung, die mir durchaus gefallen hat, nicht in dieser Ausführlichkeit beachten kann.

Pique Dame von Tschaikowsky – sehr umfangreich. Keine Längen, eine wunderbare, schöne Komposition.
Eine tolle Besetzung, aber herausragend für mich: „Die Gräfin“, Hanna Schwarz. Eine besondere Stimme, die nicht schmettert, sondern unaufdringlich Präsenz schafft mit einer unvergleichlichen Stimmfarbe. Als Laie kann ich es mehr nicht interpretieren, aber sie macht Freude.
Wirklich gewachsen im Rahmen der Inszenierung ist Lisa, anfangs noch unscheinbar und auch recht unattraktiv in ihrer gesamten Präsenz, wird sie zunehmend einnehmender, gewinnender und reißt dann die gesamte Aufmerksamkeit an sich.
Fast wie eine Metarmorphose entwickelt sich die junge Frau in die Grande Dame.
Beeindruckend.

Mein Fazit: Pique Dame: Absolut „Sehens“-wert!!

Christmann_Sandra_Foto2_Andreas_EndermannSandra Christmann
 Head of Strategic Alliances

Sandra Christmann liebt Düsseldorf, ihre Wahlheimat, und die Kunst. Sie engagiert sie sich bei ArtFair Internantional GmbH. Strategische Allianzen sind ihr Kernthema. Für die Kunst pflegt sie zahlreiche Kontakte, um mit Partnern aus Wirtschaft, Industrie, Handel und Medien innovative Formate und Kooperationskonzepte zu entwickeln. Neben dieser Arbeit hat sie ein Hilfsprojekt in Kenia ins Leben gerufen. Ihr Netzwerktalent, die Liebe zur Kunst und zum Schreiben nutzt sie jetzt auch als Opernscout.

Wahnsinnsoper in Düsseldorf

PIQUE_DAME_Presse_16_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Katrin Gehlen über die Premiere von „Pique Dame“

Es beginnt an einem strahlenden Frühlingstag im Freien, in Anlehnung an die Poolszene aus Billy Wilders Sunset Boulevard.
Wir lernen Hermann kennen, einen der Protagonisten in Pique Dame. Er hat sich in Lisa verliebt, Enkelin der Königin der besseren Gesellschaft und Verlobte des mächtigen Jeletzkis. Es beginnt eine unerreichbar scheinende, zum scheitern verurteilte Liebesgeschichte, die anfänglich überraschender Weise möglich zu sein scheint. Alles spricht für ein Happy End.
Bis Hermann Wissen über die Großmutter erlangt, wieso diese von allen „Pique Dame“ genannt wird und sich in seinem Kopf die Idee fest setzt, das Geheimnis des ewig gewinnenden Kartenspiels zu erfahren. Auf ein Mal scheint die Gier nach Geld Überhand zu bekommen. Es setzt eine Art Wahnsinn ein, die der Betrachter von Szene zu Szene beobachten kann. Letztendlich bleibt offen, wem oder was nun Hermanns Liebe wirklich gilt.
Musikalisch ist die Oper für mich fantastisch. Die Anlehnung an das Hollywood der zwanziger Jahre ist gut gelungen, die Übertragung auf das 21. Jahrhundert allerdings setzt mich  streckenweise einer zu großen Reizüberflutung aus. Einige Szenen scheinen mir überspielt und zum Teil sogar übertrieben brutal, auch wenn dadurch wohl nur der zunehmende Wahnsinn Hermanns dargestellt werden möchte.

Tschaikowskys „Pique Dame“ ist sicherlich eine sehenswerte Oper hier bei uns in Düsseldorf und ich kann jedem nur empfehlen, sich einen eigenen Eindruck zu verschaffen.

Gehlen_Katrin_Foto_Andreas_EndermannKatrin Gehlen
Modedesignerin

Katrin Gehlen ist als Modedesignerin spezialisiert auf individuelle Maßanfertigungen. Menschen, die wie sie selbst künstlerisch tätig sind, lädt sie in regelmäßigen Abständen gemeinsam mit ihrem Mann zum Kreativtreff „Rheingold“ ein. Dann wird das eigene Haus zu einem inspirierenden Kunstsalon. Mit ihrem besonderen Interesse am Ballett freut sie sich jetzt auf die Auseinandersetzung mit den Aufführungen im Opernhaus. 

Für jeden etwas dabei

PIQUE_DAME_Presse_12_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Michael Langenberger über die Premiere von „Pique Dame“

Sie mögen es opulent, spektakulär? Wollen kurzweilige Unterhaltung? Ständig und überall etwas neues Entdecken? Vielschichtige Anspielungen, echten Tiefgang? Dann ist die Neuinszenierung von Pique Dame, die vorletzte Oper Tschaikowskys, nach der gleichnamigen Novelle von Puschkin, genau das, was Sie sich anschauen sollten. Nur je nach Ihren präferierten Opernbesuch-Gewohnheiten bedarf es unterschiedlicher Vorbereitungen.

Opulent und spektakulär verbindet die amerikanische Regisseurin Lydia Steier die russische Welt der Zarenzeit mit dem Hollywood der 20er-Jahre. Aufwendige Kostüme, abwechslungsreiches Bühnenbild mit einer extra-perfekten Beleuchtung beschäftigen Ihre Augen zu jedem Zeitpunkt der Aufführung. Im Orchestergraben überlässt man, mit den wie immer blendend aufgelegten Düsseldorfer Symphonikern unter Leitung von Aziz Shokhakimov, nichts dem Zufall. Überhaupt, alle Akteure auf der Bühne liefern imposante schauspielerische- und Gesangsleistungen ab. Besonders Hanna Schwarz als die Gräfin beeindruckt bei der Interpretation ihrer Rolle und mit ihrer Stimme (und das in einem Alter, deutlich jenseits dessen, was wir als Rentenalter bezeichnen). Auffällig viel Beifall bekommt Maria Kataeva als Polina, sicherlich nicht nur wegen ihres “Heimvorteils”, sondern wegen ihres tonumfangreichen Mezzosoprans, was auch mich immer wieder dahinschmelzen lässt.

Anfänglich tat ich mich hingegen schwer mit Elisabeth Strid in ihrer Rolle der Lisa. War es die Stimme? Ihr Auftritt selbst? Ihre Einbettung in das Bühnengeschehen? Und so kommen wir zum anspruchsvollen Teil der Aufführung. Viele tiefgründige Anspielungen auf Tschaikowskys Leben, die damalige Zeit, Verbindungen zur heutigen Zeit baut die Regisseurin insbesondere in das Spiel von Lisa und Hermann ein. Wer ein gutes, oder besser noch, ein hervorragendes Wissen über die damalige Zeit, Puschkins Novelle und Tschaikowskys Leben hat, kann die ganze Tiefe dieser Hintergründigkeit der Inszenierung schon während der Aufführung erfassen. Ich war in der Hinsicht nicht gut vorbereitet. Doch das spielte aus den o.g. Gründen, für einen kurzweilig erlebten Premiereabend, keine Rolle.

Opernscouts 2018 / 2019

Michael Langenberger
Wirtschaftsmediator und Coach

Michael Langenberger arbeitet freiberuflich als Wirtschafsmediator und Führungskräftecoach in Haan. Musik und Tanz spielen eine große Rolle in seinem Leben: Er spielt Klavier, sang im Chor und tanzt: Auf Standard und Latein folgten Salsa und Modern Contemporary Dance im tanzhaus nrw, wo er auch an öffentlichen Performances mit Profis und Laien mitwirkte. Er liebt die Vielfalt des kreativen Ausdrucks – sei es als Geschichtenerzähler, Musiker, Tänzer oder Opernscout – und macht sich diese auch im beruflichen Kontext zu Nutze.

Tschaikowsky in Hollywood: es gilt „Entertainment first“

PIQUE_DAME_Presse_17_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Hubert Kolb über die Premiere von „Pique Dame“

Die zur Zeit angesagte Regisseurin Lydia Steier ist der Meinung, Oper muss unterhalten, also „Entertainment first“. So hat sie die Geschichte von Pique Dame in das Hollywood der 1950er Jahre übertragen: das kann man blöd finden oder anregend; ich fand es höchst anregend – ich blieb bis zum Ende hellwach und genoss die vielen Einfälle der Regie.
Nicht alle Einfälle waren gelungen, zum Teil passte der Text nicht auf die auf der Bühne dargestellten Vorgänge. Und die Leichtigkeit und bunten Kostüme der ersten Hälfte wichen in der zweiten Hälfte dem dunklen Thema der Story. Da hat sich Tschaikowsky dann doch noch durchgesetzt. Aber auch dieser Teil der Handlung wird mit wirksamen Effekten der Regie und tollen Lichteffekten gestützt. Besonders eindrucksvoll war, wie die halbe Bühne mit der feiernden Casino-Gesellschaft aus der Versenkung nach oben gefahren wurde, als Kontrast zu der dunklen Todesszene im Vordergrund.

Die kraftvollen russischen und osteuropäischen Stimmen und der dunkle Klang der russischen Sprache waren angenehm zu hören. Schade, dass der usbekische Dirigent Orchester, Chor und Sänger manchmal nicht gut zusammenhalten konnte, darunter litt etwas die musikalische Präsentation dieser großen Oper.

Auch diese Inszenierung könnte ich mir, wie Roméo et Juliette, noch einmal anschauen. Bei Roméo et Juliette habe ich es getan – und war wieder hingerissen von der überzeugend-modernen Umsetzung der klassischen Story.

Kolb_Hubert_Foto_Andreas_EndermannDr. Hubert Kolb
Professor für Immunologie/Diabetologie im Ruhestand

Als Biologe und Immunologe hat Hubert Kolb am Deutschen Diabetes-Zentrum Düsseldorf zu Mechanismen und Therapien des Kinder- und des Erwachsenendiabetes geforscht und gearbeitet. Vorsorge und Umgang mit der Krankheit beschäftigen ihn auch noch im Ruhestand. Den Weg zur Oper fand Hubert Kolb im Studium in München – eine „Zauberflöte“ in Spitzenbesetzung begeisterte ihn nachhaltig. Mittlerweile findet er genügend Zeit, die Oper regelmäßig zu besuchen und Vieles neu kennen zu lernen. Auch das Ballett am Rhein, das ihm unter Martin Schläpfer unerwartet gut gefällt

Sekt statt Wodka

PIQUE_DAME_Presse_10_FOTO_Hans_Joerg_Michel
Jenny Ritter über die Premiere von „Pique Dame“

Was haben Tschaikowsky und Puschkin mit Cowboys und Indianer zu tun:  gewiss, es gibt in dem Stück Uniformen, schließlich war Herrmann ein Offizier im Militär, doch  in dieser Inszenierung trug er einen braunen Cordanzug, das war ein Schock mich und nicht nachvollziehbar. Lisa wurde als Trampel vom Lande dargestellt. Die fehlenden Uniformen wurden lächerlicherweise in Cowboy- und Indianerspielen dargestellt. Das Gutelaunegefühl wurde sehr amerikanisch mit Sekt, statt mit Wodka und dann auch noch am Swimmingpool  dargestellt, in Kostümen der 1950-Jahre(?)
Tschaikowskys Liebe zu Mozarts Musik wurde interessanterweise mit  Kostümen und Bildern aus seiner Zeit dargestellt – seine Homosexualität mit schrägen Kostümen, Manches witzig, Vieles peinlich. Indianer wurden mit der  „Zweifingergeste“ totgeschossen und fielen um? Der Sinn hat sich mir nicht erschlossen.

Es gab viele schöne Bilder – gezaubert durch wahnsinnige Lichteffekt: der Wechsel vom kitschigen pinken amerikanischen Bühnenbild wird in eine stimmungsvolle Szene verändert – alleine durch die Beleuchtung. Wunderbar.

Es waren viele schöne Momente – vor allem die Musik, mit fehlte allerdings in dieser  Inszenierung  die Russische Seele! der Tschaikowsky und der Puschkin!

Ritter_Jenny_Foto2_Andreas_Endermann

Jenny Ritter
Tai-Chi-Lehrerin

Jenny Ritter ist Lehrerin für verschiedene Entspannungstechniken und die chinesische Kampfkunst „Tai-Chi Chuan“. In ihrer Arbeit ist ihr der Zusammenhang zwischen Gesundheit und Bewegung besonders wichtig. Schon durch ihren ersten Lehrmeister, der ihr eine sehr tänzerische Art des Tai-Chi vermittelte, entwickelte sich auch ihre Begeisterung für das Ballett. Seitdem  sie in der Spielzeit 2016/17 „Das Rheingold“ gesehen hat, ist Jenny Ritter nun auch ein Fan von Wagners „Ring“ und freut sich diesen als Opernscout in Düsseldorf abschließen zu können.

Vorhang auf und Voilá.

Romeo_et_Juliette_01_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Sandra Christmann über die Premiere von „Roméo et Juliette“

Erst einmal nur Glitzer. Toll. Die Kostüme funkeln, spiegeln, glitzern und auch das Bühnenbild sitzt. Es ist ein direktes Eintauchen in das Romeo und Julia, das man kennt, wissentlich, dass dieses eine neue, moderne Inszenierung ist, aber nicht so verfremdend, dass man Angst bekommt enttäuscht zu werden.

Interessanterweise – und auch leider –  sind aber die starken Gefühle des Paares nur spürbar in dem jungen tanzenden Paar, das nicht singt. Pathetisch genug und auch gesanglich ist das „singende“ Paar hervorragend. Super Besetzung, ganz großartige Stimmen und auch die Komposition gefällt durchgängig.

Der Handlungsstrang ist etwas schräg, künstlerische Freiheit willkommen, dass aber am Ende Julia kein Gift nimmt, ihr armer Romeo verstirbt und sie doch mit einem anderen abhaut. Bedauerlich. Warum haben wir nur immer selbst im Drama den Wunsch, ja selbst im Tod, dass die Liebe Erfüllung findet. Vielleicht war das schon spürbar und deshalb erfasste einen die emotionale Welle nicht.

Ich finde es dennoch eine sehr interessante, junge und durchgängig qualitätsvolle Inszenierung. Ein bißchen Rocky Horror ist der Cousin.
Philipp Westerbarkei merke ich mir, sehr sehr interessante, unterhaltsame Inszenierung, die im Gefüge mit Tatjana Ivschinas Kostümen und einem gelungenen Bühnenbild und erfrischend in der französischen Sprache direkt einfängt.

Gesanglich ist Luiza Fatyol wie gewünscht raumfüllend, mir für eine Julia mit meiner romantisch verklärten Vorstellung fast zu stark, aber deshalb nicht weniger großartig.
Also Vorhang zu und Danke!

Christmann_Sandra_Foto2_Andreas_EndermannSandra Christmann
 Head of Strategic Alliances

Sandra Christmann liebt Düsseldorf, ihre Wahlheimat, und die Kunst. Sie engagiert sie sich bei ArtFair Internantional GmbH. Strategische Allianzen sind ihr Kernthema. Für die Kunst pflegt sie zahlreiche Kontakte, um mit Partnern aus Wirtschaft, Industrie, Handel und Medien innovative Formate und Kooperationskonzepte zu entwickeln. Neben dieser Arbeit hat sie ein Hilfsprojekt in Kenia ins Leben gerufen. Ihr Netzwerktalent, die Liebe zur Kunst und zum Schreiben nutzt sie jetzt auch als Opernscout.

Less is more!

Romeo_et_Juliette_07_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Benedikt Stahl über die Premiere von „Roméo et Juliette“

Zwei Liebende in Badekleidung stürzen sich lustvoll umarmend von einem Sprungbrett und werden im Moment des Absprungs von der Fotografin Tatyana Druz für immer dort festgehalten. Dieses Foto mit dem Titel „The point of no return“ entdecke ich am Abend der Premiere von Roméo und Juliette auf den ersten Seiten des schönen Begleitheftes und bin immer noch ergriffen von dessen Ausdruckskraft, die Shakespeares Drama nahezu in einem Bild erzählt. Weniger überzeugt bin ich von den Bildern der Oper selbst. Der Kunstfelsen mitsamt Madonna erinnert eher an die Grotte von Lourdes als an eine italienische Piazza und der zappelnde, rauchende Chor braucht diese Übertreibung ebenso wenig, wie Juliette ihre Akrobatikeinlagen auf dem Stuhlstapel.

Nach der Pause wird die Bühne stärker. Der Lichterhimmel hat sich auf den Boden gesenkt und Roméo und Juliette kommen ihrem tragischen Ende mit jedem ihrer hinreißenden Duette unaufhörlich näher. Auch wenn ihre Liebe zueinander kaum sichtbar wird, so dringt ihre Liebessehnsucht wie auch die damit verbundene Verzweiflung, ihr Schmerz, mit jedem Ton bis tief ins Innerste. Das ist Oper pur!

Das Ganze ist lebendig, experimentierfreudig und vor allem als Musiktheater mehr als sehenswert. Aber am Ende frage ich mich, ob diese Inszenierung nicht einfach nur zu viel auf einmal will. Das Drama, die große Erzählung, das Neue, das Andere, das Besondere, das Ausprobieren, die Zeitcollage, das Glitzern, Farbenrausch, Lichtbilder, Herzklopfen… Lauter aneinandergereihte Übertreibungen, die alle etwas sagen wollen und doch unter der gesammelten Ideenfülle leiden. Warum eigentlich? Wo das, was wesentlich ist, schon mit nur einem Bild gesagt werden kann? Less is more!

Stahl_Benedikt_Foto2_Andreas_Endermann

Benedikt Stahl
Architekt und Professor an der Alanus Hochschule

Als selbständiger Architekt und Partner im Düsseldorfer Atelier Fritschi & Stahl hat Benedikt Stahl eine große Nähe zur Kunst: Was macht Stadtraum, was macht die Choreographie, die Dramatik der Räume aus? Zur Oper ist es da nicht weit: Wie Bild, Musik und Darstellung hier zusammen wirken, fasziniert ihn. Als interdisziplinär denkender Grenzgänger ist er auch an der Alanus Hochschule Bonn-Alfter tätig: Was  Architektur mit Schauspiel, Wirtschaft mit Kunst zu hat – diese Fragestellungen interessieren ihn auch in der Lehre. Nicht nur die Oberfläche, sondern die spannenden Zusammenhänge will er nun als Scout für Oper und Ballett entdecken.

 

So muss man es machen

Romeo_et_Juliette_02_FOTO_Hans_Joerg_Michel

Michael Langenberger über die Premiere von „Roméo et Juliette“

Das erste Lob gehört dem Generalintendanten der Düsseldorfer Oper. Prof. Christoph Meyer vertraut die Inszenierung dieses großen Werkes Philipp Westerbarkei an, ein Eigengewächs der Düsseldorfer Oper. Der wiederum kooperiert mit Tatjana Ivschina, verantwortlich für Bühne und Kostüme, im besten Sinne wie ein Start-Up in agiler Arbeitsweise, indem beide Ihr Know-How so verzahnen, das ein grandioses Bühnenwerk entsteht. Wer sehen will, welche Special-Effects eine renovierungsbedürftige Operntechnik in der Lage ist zu liefern, der sollte sich diese Oper ansehen und genießen.

Es sind diese Lichteffekte, die beispielsweise Luiza Fatyol als Juliette im silbern glitzernden Kleid zu einem grandiosen Auftritt erheben oder die Bühne in Sekundenschnelle zu einem Kirchenraum wandeln. Oder habe Sie schon einmal minutenlangen Regen auf der Bühne erlebt? Ja, es war wirklich nasser Regen. So ist dann auch ein steinerner Fels eben nicht nur Bühnenbild, sondern hilft auch bei der Visualisierung der bizarren Formen von Gewitterblitzen.

Immer wieder mal erscheinen Maria Sauckel-Plock und Egor Reider als ihr jeweils jüngeres Ich von Roméo und Juliette. Man hört – intoniert – deren Herzen höher schlagen. Die beiden zwar nicht singend, doch als blutjunge Mimen, die Liebe und Verrücktheiten junger, frischer Verliebter verkörpernd, quasi pantomimisch darstellend. So geht das Schauspiel vor dem abgesenkten Vorhang während des Bühnenumbaus kurzweilig weiter, hält den Zuschauer emotional gefangen und löst sich fließend, schauspielerisch im folgenden Bühnenbild wieder auf.

Übrigens, wer einmal einen riesigen Chor tanzen sehen will oder ebenso viele Anregungen zu fantasievollen Kleidern und Kostümen, wie der Chor Mitglieder hat, sehen will, sollte die vielen unterschiedlichen Auftritte des Chors nicht versäumen.

Gerade zu Beginn verbinde ich mit dem Auftritt des Chors einige Szenen mit Leonard Bernsteins “West Side Story”. Wenn dieses Musical damals als die moderne Form des Dramas Romeo und Julia galt, dann haben wir jetzt bei der Premiere von „Roméo et Juliette“ die Fusion von spektakulärem Opern-Schauspiel mit highly sophisticated Animation gesehen.

War das jetzt z.B. auch die Bewerbung der Oper Düsseldorf für einen Opernhaus-Neubau auf Weltniveau? In Zeiten, wo Opernhaus-Neubau zur bloßen Auseinandersetzung auf Standort und Geld reduziert wird, ist es gerade jetzt wichtig mit dem oft gespielten Stück „Roméo et Juliette“ durch performative Leistung zu glänzen, auch Grenzen auszutesten. Denn welches Opernhaus kann schon mit einem Sänger (und Tänzer-) Ensemble glänzen, das selbst bei komplexen Besetzungen, nahezu alle Rollen selbst besetzen kann und damit gleichzeitig Talentschmiede der internationalen Opern- und Ballettwelt ist? Welches Opernhaus ermöglicht eigenen, jungen Talenten die Verantwortung für Regie und Ausstattung zu übernehmen? Welch anderes Opernhaus liefert in steter Regelmäßigkeit Award-Qualitäten ab? Hätte es ein solches Opernhaus nicht auch verdient, mit perfekter Technik – einschließlich der für Liveübertragungen – den Rest der Welt an seinen Ideenreichtum und moderner Arbeits- und Management-Leistung teilhaben zu lassen?

Opernscouts 2018 / 2019

Michael Langenberger
Wirtschaftsmediator und Coach

Michael Langenberger arbeitet freiberuflich als Wirtschafsmediator und Führungskräftecoach in Haan. Musik und Tanz spielen eine große Rolle in seinem Leben: Er spielt Klavier, sang im Chor und tanzt: Auf Standard und Latein folgten Salsa und Modern Contemporary Dance im Tanzhaus NRW, wo er auch an öffentlichen Performances mit Profis und Laien mitwirkte. Er liebt die Vielfalt des kreativen Ausdrucks – sei es als Geschichtenerzähler, Musiker, Tänzer oder Opernscout – und macht sich diese auch im beruflichen Kontext zu Nutze.